"La película surge en la mesa de montaje". Seguro que ya has oído antes esta frase de la jerga cinematográfica. Lo que quiere decir es que el montaje es el proceso decisivo para crear la película posterior. Los vídeos que has grabado son solo la materia prima que debes transformar en una película durante el montaje. O también en diferentes películas.
Tu PC sirve ahora de mesa de corte. Es mucho más eficiente y cómodo ir desplazando los fragmentos de vídeo en el monitor que cortar los rollos de película con unas tijeras y volverlos a pegar.
El montaje de vídeo es un arte que, como todo arte, sigue ciertas reglas. A continuación, te explicamos cuáles son estas reglas y cómo puedes aplicarlas en tu propio PC.
Corte y técnica de corte
Empecemos con los términos básicos de la técnica de montaje de vídeo: material, plano, tomas, cortes, escenas... ¿Qué significa todo esto? ¿Cómo se relacionan estos términos entre sí?
- Material es el nombre de los archivos de vídeo sin cortar que se toman de la tarjeta de memoria de la cámara de vídeo. Es la materia prima de tu película.
- Un plano es una secuencia de película ininterrumpida, es decir, los fragmentos de vídeo que aparecen en tu cámara entre los momentos de encendido y apagado de la grabación. Lo mejor es que guardes una lista de los planos que has hecho al grabar tu vídeo. Esto te dará una visión general del material que hay en la tarjeta de memoria de la cámara. Si quieres planear cómo van a ser los planos con antelación, puedes crear un plan de rodaje.
- Las tomas son variantes de los planos que, por ejemplo, muestran el mismo motivo desde diferentes perspectivas, o planos que difieren entre sí en ciertos detalles (por ejemplo, en la luz y los elementos de fondo). Las tomas ofrecen después, durante la edición, la posibilidad de elegir entre varias opciones. Al visualizar el material en tu PC, la clasificación de tomas y planos no debe mezclarse, si es posible. Siempre debe quedar claro qué es una toma alternativa y qué es un nuevo plano. En el ámbito profesional, se utilizan para ello claquetas en las que se anotan el plano y el número de la toma.
- El corte (en inglés "cut") es en realidad el punto de la película que separa un plano del siguiente. Establecer un corte en el material es muy fácil: en el programa de edición de vídeo MAGIX Video deluxe, basta con situar el marcador de reproducción en el lugar donde se desea cortar y pulsar el botón "T". A continuación, elimina de la pista la parte que no se va a utilizar y junta el resto para que se cierre el hueco. La tarea más difícil es encontrar los lugares de corte adecuados.
- Una escena marca una sección con significado para la película. En su mayor parte, comprende un continuo espacio-temporal coherente que, sin embargo, no tiene por qué mostrarse sin huecos. Una escena se compone normalmente de varios planos. Cuando se muestra un diálogo, por ejemplo, se suelen poner varios planos seguidos, a veces mostrando al interlocutor, a veces al oyente, a veces a ambos juntos, mientras la banda sonora sigue sonando sin cortes. Todo esto da lugar a una escena de diálogo. El cambio de escena lo marca una nueva unidad narrativa. Por lo tanto, la transición del último plano de la escena actual al primer plano de la siguiente escena es normalmente más marcada que entre dos planos de la misma escena.
Planos
Como ya se ha mencionado, un plano se refiere a una secuencia cinematográfica que se ha rodado sin interrupción con una cámara en continuo funcionamiento. Como regla general, cada plano debe durar al menos 3 segundos, a menos que forme parte de una escena deportiva o de una escena de acción. Los planos más cortos crean una sensación de agitación y tensión que, por supuesto, también puede utilizarse deliberadamente para crear una dinámica que deje al espectador sin aliento. Pero, normalmente, debes conocer y tomarte en serio la regla de los 3 segundos.
Cada plano se graba utilizando una configuración de cámara específica. Esta configuración determina el tamaño del motivo que se puede ver en la imagen. El tamaño da al espectador una impresión de la distancia a la que se encuentra el motivo. Los espectadores se basan en sus experiencias cotidianas: un rostro en primer plano llenando la pantalla o el monitor parece muy íntimo y cercano, las personas como pequeñas figuras dentro de un paisaje, en cambio, parecen lejanas.
Entre la proximidad y la distancia, se ha hecho comunes los siguientes planos.
Gran plano general
En este plano, los detalles no importan. Los paisajes, las puestas de sol, los horizontes se muestran en en toda su amplitud. Este plano se utiliza a menudo como principio o final de una secuencia de escenas relacionadas y transmite una transición a una nueva sección.
Plano general
El "plano general" ofrece al espectador una visión general de lo que está ocurriendo y le sirve de orientación. Suele utilizarse para iniciar un cambio de escena. Por ejemplo, si se muestra primero un plano general del exterior de una casa y luego un interior, estos dos planos están unidos cinematográficamente. El espectador reconoce a qué casa pertenece ese interior a través del cambio de imagen.
Plano entero
En este plano, la distancia al motivo sigue siendo bastante grande. Aquí se ve a las personas completas de pies a cabeza y se puede seguir sus acciones. El lenguaje corporal se aprecia con facilidad, pero las expresiones faciales siguen siendo imprecisas.
Plano 3/4 o americano
En el plano 3/4, se ve la parte superior del cuerpo de una persona de la cintura para arriba. La relación de las personas entre sí puede observarse, al igual que la situación comunicativa. El plano"americano" muestra un poco más de la gente, hasta las rodillas.
Plano medio
Este plano corresponde aproximadamente a la imagen del pecho de una persona. En la televisión, el plano "medio" es la talla de ajuste de los presentadores y locutores. A menudo se elige para llamar la atención sobre las expresiones faciales de las personas.
Primer plano y plano detalle
El "primer plano" (en inglés, "close-up") muestra la cabeza de una persona hasta el cuello o la base del hombro. La percepción del espectador se concentra totalmente en las expresiones faciales. En el plano "detalle", solo se puede ver una pequeña sección de una persona u objeto. Se crea una impresión de cercanía íntima. Con estos planos, el espectador se encuentra en el centro de la acción.
Movimientos de cámara
Dado que las películas rara vez se componen de planos estáticos, se necesita, además de los planos, una descripción de los movimientos que la cámara ha hecho o se supone que va a hacer. La cámara puede hacer movimientos, paneos y zoom a una amplia gama de velocidades para provocar calma o ajetreo, relajación o dramatismo. Por cierto, ya no es necesario que la cámara no se tambalee y que esté siempre apoyada en un trípode. De hecho, el uso de cámaras de mano se ha convertido desde hace tiempo en un recurso estilístico utilizado para crear autenticidad, nerviosismo y dramatismo.
Paneos
Las paneos proporcionan una vista panorámica y se utilizan para mostrar paisajes u otros panoramas. Los buenos paneos comienzan con unos 2-4 segundos de quietud en el fotograma inicial y terminan de nuevo con 2-4 segundos de quietud en el fotograma final. Entre las imágenes de inicio y cierre, la cámara se mueve lentamente, sin saltos y a velocidad constante. Regla para la grabación: no empieces demasiado pronto, no te detengas demasiado rápido y no dejes de hacer el paneo en el medio.
Puedes moverte tanto horizontal como verticalmente, pero nunca en diagonal. También puedes combinar distintos paneos. Realiza el movimiento de la cámara en una sola dirección, es decir, no hacia adelante y hacia atrás ni hacia arriba y abajo. Utiliza un trípode. En la mayoría de los casos, deberías planear los puntos de inicio y fin antes de moverte y pensar cómo quieres desplazar la cámara de un punto a otro. Después, inténtalo varias veces seguidas.
Un potente programa de edición de vídeo como MAGIX Video deluxe permite crear posteriormente paneos virtuales de cámara a partir de grabaciones estáticas. Selecciona en tu PC el segmento de imagen que va a aparecer como imagen de inicio del paneo y después, la imagen de cierre. El programa calcula automáticamente el paneo intermedio. La imagen inicial se muestra en pantalla completa y "se desplaza" lentamente por la imagen del vídeo hasta el la imagen final. Para ello, el material de origen debe tener una resolución lo suficientemente alta como para que la sección ampliada de la imagen no aparezca pixelada.
Zoom
El zoom es la simulación de un movimiento de cámara específico en el que se amplía o reduce lo que se muestra, creando la ilusión de acercarse o alejarse del motivo. El uso de la función de zoom siempre tiene algunas desventajas. Así, cualquier sutil movimiento de la cámara se convierte rápidamente en un oscilación considerable, ya que los movimientos se amplifican con el aumento. Aquí es donde el uso de un trípode o de una estabilización de imagen posterior puede ayudar.
Los movimientos de zoom digitales también pueden crearse a posteriori en el programa de edición de vídeo. Sin embargo, es mejor utilizar el zoom analógico de la cámara, porque la resolución no cambia. Y lo ideal es que ni siquiera te detengas a hacer zoom, sino que camines resuelto hacia adelante con la cámara.
Por cierto, una alternativa al zoom sería ajustar el enfoque. Un ejemplo típico: una persona se pone delante de un cartel; primero se enfoca a esta persona. Esa persona cuenta algo. Cuando ha acabado, se cambia el enfoque y el cartel pasa a estar bien enfocado y en un primer plano. Si eres hábil con la cámara, ni siquiera tienes que cambiar la configuración.
Movimiento de cámara
Ya conoces los diferentes movimientos de cámara de casi todas las películas. Para añadir movimiento a un evento estático, mueve la cámara mientras grabas.
Haciendo esto, la cámara siempre captará durante su movimiento algo nuevo. Algunos ejemplos de esto son el grabar desde la ventanilla del coche o correr junto a una persona.
Cuanto más firme sujetes la cámara, mejor. En el sector profesional, se suelen colocar además raíles con este fin. Pero también puedes crear movimientos de cámara tranquilos con un pequeño carro de mano. Coloca la cámara en un trípode, el trípode en un carro y tira lentamente del carro alrededor del motivo.
Y si durante la edición en tu PC te das cuenta de que un plano es demasiado estático y que quedaría mejor un movimiento de cámara, también puedes crear uno virtual después con un buen programa de edición de vídeo como MAGIX Video deluxe. Para ello, al igual que en el caso del paneo, determina primero un segmento de la imagen; este se mostrará a continuación en pantalla completa y podrás desplazarlo por el material de la imagen a lo largo de rutas libremente configurables. Esto funciona también muy bien con fotos.
Escenas
Mediante el montaje, los planos adquieren su forma final y se unen en escenas. Dentro de una escena en marcha, se debe intentar que el espectador no se de cuenta de los cambios de planos. Con un cambio de escena, es al revés: aquí se supone que uno debe notar el cambio de lugar o de hora. De acuerdo con esto, el corte también debe ser llamativo.
Cada corte provoca un salto en el tiempo o un cambio de lugar o de perspectiva, es decir, una ruptura. La continuidad de la trama de la película se ve interrumpida. Sin embargo, hay técnicas para hacer que esta ruptura pase en gran parte inadvertida para el espectador. Este principio se llama "corte invisible" (también conocido por su nombre inglés "continuity editing") El corte invisible no es invisible en sentido literal, sino que no debe ser percibido inconscientemente por el espectador, de manera que tenga la impresión de una acción continua.
Por un lado, se trata de determinar las secciones del material que se van a utilizar. Los puntos de inicio y final de cada plano deben ser definidos por separado. Por otro lado, también se trata de las transiciones entre dos planos: ¿dónde acaba el primero, dónde se junta con el segundo?
Por lo tanto, la pregunta de en qué punto se debe cortar un plano, también se refiere siempre al plano siguiente. La pregunta sobre la duración de un plano solo se puede contestar si se conoce la duración de los planos anteriores y siguientes. Al hacer coincidir las duraciones entre sí, se crea un ritmo cinematográfico que puede utilizarse para dramatizar o relajar el argumento.
Todo depende siempre por tanto del contexto. Pero no queremos dejarte con una respuesta tan vaga. Muchas de las respuestas a estas preguntas han surgido a lo largo de la historia del cine. Existe, de hecho, un caluroso debate entre los expertos en edición sobre si son de leyes universalmente válidas, meras recomendaciones o simplemente presunciones totalitarias. Pero nosotros no tenemos que preocuparnos de esta discusión. Los principios "clásicos" de corte son el resultado de muchos años de trabajo de editores profesionales y conocerlos solo puede enriquecer tu propia técnica.
Técnicas de corte
¿En qué puntos se debe cortar un plano? ¿Cómo se deben juntar los planos? Estas preguntas son las más importantes a la hora de editar un vídeo.
Nos limitaremos a mostrarte los principios más importantes:
Corte en acción
El primer principio es cortar en el movimiento dentro de una escena. Por ejemplo, si has grabado un plano medio y un primer plano de cómo alguien se lleva un vaso a la boca y bebe, tienes que cortar en medio del movimiento para el cambio de imagen, mientras levanta el brazo.
El sentido de este principio es que el corte sea en la medida de lo posible lo más discreto posible. Durante el movimiento, el espectador ya ha reconocido el objetivo de este y, por así decirlo, anticipa su final. El espectador está preparado para el siguiente plano y supone que al final, el vaso llegará a la boca. Ya conoce la acción. Así, si se corta durante el movimiento, la siguiente imagen llama menos la atención que si el movimiento se lleva a cabo por completo y con el corte se inicia un arco narrativo nuevo y desconocido.
Los planos de una escena deben cortarse antes de que los actores hayan salido del cuadro, es decir, antes de que hayan abandonado la escena. A no ser que haya una razón especial. En el caso de las transiciones entre escenas, una imagen vacía puede ser adecuada para poner fin al suspense de una escena. Pero dentro de la misma escena se deberían evitar las imágenes en blanco.
Ambos principios son básicamente variantes del mismo: las escenas se tratan como arcos argumentales unificados y una imagen vacía o un movimiento que se ha completado indican el final del arco argumental.
El campo/contracampo es el principio de montaje más habitual, fácil y a la vez efectivo, que podrás encontrar en cualquier película y en la televisión. Imagínate a alguien que está en la calle y quiere entrar en una casa. Se acerca a la puerta de la casa y la abre. El corte se realiza cuando está entrando; el contracampo muestra mediante una toma interior cómo esta misma persona cierra la puerta de la casa por dentro, cómo se quita el abrigo y lo cuelga en el perchero.
Cuando estos dos planos se montan uno junto al otro, se deja una acción natural que no da lugar a dudas: el pasillo en el que se encuentra el hombre es el mismo pasillo que está detrás de la puerta de entrada de la casa que se ha visto anteriormente en el plano exterior. Aunque, en realidad, es bastante probable que se trate de otro estudio de cine.
O piensa en el diálogo de una película: ves y oyes a un actor en un plano medio y, mientras habla, de repente se corta y aparece la cara del interlocutor. De hecho, vemos algo completamente diferente que no se corresponde para nada con lo que se escucha en la pista de audio, es decir, una cara inmóvil. La atención del espectador convierte el nuevo y silencioso rostro en oyente del discurso. Sin el montaje, la toma del interlocutor sería simplemente una cara. Como contracampo en una escena de diálogo, este rostro se convierte en un oyente. Tal vez este rostro, en realidad inexpresivo, muestre incluso una determinada reacción en este contexto: atención, escepticismo, tal vez rechazo...
La comprensión de toda la trama de la película surge "corte a corte" de los montajes de esas minisecuencias que generan el sentido. El espectador localiza las escenas montadas en el contexto cinematográfico. Junto al campo/contracampo, hay otras muchas técnicas de montaje que se pueden entender como variantes de la técnica de campo/contracampo:
Los planos que se han montado juntos depende causalmente los unos de los otros. Es decir, sin el primer plano no se entendería el segundo.
Ejemplos: se ve a dos personas discutiendo en voz alta; en la siguiente toma, una de ellas desaparece a través de una puerta y la cierra de un golpe. O una persona tiene una pistola y dispara; en el siguiente plano, otra persona cae muerta al suelo.
Dos acciones se muestran de forma paralela, alternando entre ellas. Al acortar gradualmente los planos, se puede construir la tensión y llevarla a su punto culminante.
Por ejemplo, imagina que dos coches se dirigen a toda velocidad hacia una intersección desde distintos lados. Si se acorta el tiempo entre los cortes paralelos, aumenta la tensión antes del choque (si lo hay).
La disposición de las escenas puede provocar una determinada asociación en el espectador. Sin embargo, el mensaje asociado no se dice ni se muestra directamente.
Un ejemplo: un hombre juega a la lotería; en el siguiente plano, un vendedor de coches le enseña coches nuevos y caros.
Los acontecimientos que no pueden o no deben mostrarse directamente son reemplazados por imágenes equivalentes a modo de metáfora.
Ejemplos: nace un niño, pero en lugar de mostrar el doloroso parto en el hospital, aparece la imagen de un capullo florenciendo. O una pareja de enamorados juguetea en la cama y, como corte de sustitución, se muestran fuegos artificiales.
Planos notablemente diferentes se montan juntos utilizando el montaje por contraste, por ejemplo, para llamar la atención del espectador sobre una contradicción.
Un ejemplo: un turista se sienta aburrido en el bar del hotel y en el siguiente plano aparecen unos mendigos.
El corte de contraste se utiliza a menudo como enlace con una escena larga y tranquila para despertar al espectador endormecido y mostrarle que ahora continúa la acción. Imagínate a un actor que lleva un rato mirando una foto pensativo y, en la siguiente imagen, de repente aparece un tren pitando que llega a la estación.
En este caso, los planos se montan juntos porque tienen un aspecto formal en común, por ejemplo, el mismo contenido de imagen o los mismos colores, formas o movimientos (camisa roja y coche rojo, balón de fútbol y globo terráqueo, ventana que cae y pluma que cae).
El montaje formal más famoso de la historia podría ser la escena inicial de la película de Stanley Kubrick "2001: Una odisea del espacio", en la que un simio lanza un hueso al aire y, en el siguiente corte, un satélite en órbita continúa el mismo movimiento, aunque hayan pasado cuatro millones de años entre las dos acciones.
Los dos planos montados inicialmente solo tienen en común el movimiento. Mediante el montaje se genera en el espectador una búsqueda de conexiones contextuales que le lleva a la idea, por ejemplo, de que el lanzamiento de un hueso marcó el inicio de la humanidad, que continúa hasta la era de los satélites.
Seguro que esto también te suena: alguien está sentado en una mesa y lee un libro en el silencio de la noche. De repente, se oyen voces agitadas y teléfonos que suenan. Y justo antes de que te preguntes qué significa eso en esta situación de silencio, hay un corte y ves una escena completamente diferente, por ejemplo, de la jefatura de policía, mientras la banda sonora continúa.
Esta técnica de montaje también es conocida por su término inglés "j-cut", corte J. En este tipo de corte, las pistas de audio e imagen se editan desplazadas. Esta técnica también se denomina corte J-L porque, con un poco de imaginación, la imagen y el sonido en el arreglador del programa de edición de vídeo parecen una "L" o una "J", cuando la banda sonora empieza antes sin la imagen que la acompaña.
Por último, hay que mencionar una técnica de montaje que pretende interrumpir de forma llamativa la continuidad de la acción de la película dentro de una escena. El jump cut pretende provocar irritación; despierta la atención del espectador interrumpiendo el plano en puntos aparentemente inapropiados, pero este se reanuda inmediatamente después. Esto crea la sensación de que falta una parte de la grabación.
Puede ocurrir de diferentes maneras, pero siempre asegura que el corte se perciba como un salto (en inglés, "jump") Los jump cuts se consideran modernos, pero ya se utilizan en todas partes, por ejemplo, en los retratos de personas, cuando una entrevista se parte en cambios de imagen inesperados.
Eje de acción o regla de los 180 grados
En el montaje de vídeo, hay una regla importante relativa a la composición de los planos. Si ves a una persona en la película moviéndose a través de la imagen de izquierda a derecha y, después del corte, en el siguiente plano de repente de derecha a izquierda, te has convertido en una víctima de un salto de eje. Estás molesto y no sabes a dónde quiere llegar esa persona.
El eje que no se debe sobrepasar se llama "eje de acción". Se trata de una línea imaginaria de ayuda que quedará marcada por la acción y que divide el espacio mostrado en dos. En el lado de la cámara se crea un semicírculo definido por un lado por la cámara, en el otro lado, por la acción de la película. Debido al ángulo de 180 grados de este semicírculo, esta regla también se denomina "regla de los 180 grados". El semicírculo de 180 grados sirve para que el espectador se oriente espacialmente, como el campo visual o el escenario de un teatro. La regla de los 180 grados establece que solo se pueden montar planos juntos que se hayan filmado dentro de ese semicírculo.
Un ejemplo: dos actores están mantienen un diálogo y se están mirando directamente a los ojos. En este caso, el eje de acción es la dirección de la mirada. La cámara puede mostrar ahora a los dos actores de frente de perfil, en diagonal o, en un caso extremo, o situar la cámara en el eje de la acción para que mire por encima del hombro de un actor y muestre al otro de frente. (Por cierto, este plano se llama "toma por encima del hombro" y es muy popular, porque une la perspectiva del actor con la perspectiva externa).
Todos estos planos se pueden cortar uno tras otro sin ningún problema. Sin embargo, en el momento en el que la cámara sobrepase el eje de acción, los interlocutores se intercambian en la imagen. El actor que antes estaba a la izquierda de la imagen, aparece ahora a la derecha. Se da un salto de eje.
Los saltos de eje son problemas que solo aparecen a la hora de montar. Cuando el eje de acción se cruza en un plano que no está montado, no hay salto de eje, sino un cambio de eje no problemático, en el que los espectadores pueden orientarse en base al continuo de la imagen.
Los cambios de eje aparecen sobre todo a partir de las direcciones de los movimientos o de las miradas de los actores. Se pueden establecer nuevos ejes de acción cuando los actores miran repentinamente a otro sitio, se giran, caminan hacia algo nuevo o cuando algo nuevo entre en escena desde el exterior. Entonces también está permitido cortar fuera del área original de los 180 grados, porque la orientación del espectador y con ella, el eje de acción, ha cambiado.
Transiciones y fundidos
No solo es importante dónde cortas, sino también las transiciones. Las transiciones definen cómo se conectan dos planos. Por norma general, en las películas se suele utilizar el "corte básico" entre escenas, es decir, la ausencia de transiciones o la unión de dos planos sin adornos, sin efectos, rápido e indoloro.
También podemos encontrar fundidos encadenados (crossfades) y fundidos suaves para los cambios de escena. En el caso de un fundido encadenado, la imagen de una escena se va fundiendo gradualmente con la imagen de la escena siguiente. En el caso de presentaciones fotográficas, también llamadas pases de diapositivas, los fundidos suelen usarse más, ya que se muestran imágenes fijas. El fundido sirve en este caso para anunciar y suavizar el cambio de imagen.
En cambio, en el cine, se busca normalmente generar un continuo y, por eso, se intenta que las transiciones de imagen dentro de una escena sean lo más discretas posible. Los fundidos encadenados en una película preparan al espectador para el cambio de escena. Dirigen la atención de la continuidad al cambio.
El paso a negro provoca un corte aún más fuerte. Esta técnica consiste en el desvanecimiento de una imagen hasta que aparece brevemente un fondo negro. Solo entonces aparece la siguiente escena, a menudo también con un fundido de apertura. El paso a negro da lugar a que el espectador se tome una breve pausa y empiece de nuevo. Es comparable a cuando se cierran los ojos un momento, hay un cambio de capítulo dentro de un libro o se cierra el telón de un teatro. Por eso, el paso a negro marca por norma general el final de una cadena de escenas relacionadas entre sí: una secuencia.
Por supuesto, hay otras transiciones, a veces muy impresionantes, que también se pueden usar ocasionalmente en las películas. A veces, la imagen de la última escena desaparece como volando en un torbellino o se va alejando lentamente del espectador a través de un túnel.
Sin embargo, hay que tener cuidado con este tipo de efectos de transición, ya que pueden distraer al espectador de lo que ocurre en la película.
El software de montaje adecuado
Para producir una buena película de vídeo con las técnicas de montaje descritas, necesitas un potente software de edición, además del material de tu cámara de vídeo. Es importante poder probar con distintos cortes y también poder deshacer lo que has probado. Por ello, el programa de edición de vídeo debe invitarte a experimentar con el montaje. También debe tener un uso tan intuitivo que te permita probar muchas posibilidades de montaje con unos pocos clics de ratón.
Recomendamos MAGIX Video deluxe Plus. Este sofisticado programa de edición de vídeo ofrece todo lo necesario para poner en práctica todas las técnicas de montaje descritas sin necesidad de un largo periodo de formación. Las pistas de imagen y sonido están claramente dispuestas en el arreglador. Puedes cortarlas, recortarlas y volverlas a ampliar en cualquier momento y sin modificar las valiosas secuencias del disco duro, ya que el programa funciona de forma totalmente virtual.
Por tanto, puedes probar cada paso y deshacerlo sin problemas. Para el corte J-L, por ejemplo, basta con pulsar la tecla Alt en la interfaz y, manteniendo pulsado el botón del ratón, arrastrar el borde de la pista de imagen hacia atrás mientras la pista de sonido permanece inalterada. A continuación, desliza la pista de sonido hacia la izquierda: ambos planos se fusionan dando lugar a una "edición dividida".
Además de todas las funciones de montaje, Video deluxe ofrece importantes funciones especiales, como una buena estabilización de imagen que permite realizar paneos sin trípode, movimientos cámara virtuales o una fuerte optimización de imagen.
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