'De film wordt pas gemaakt aan de montagetafel.' Je hebt deze uitdrukking uit de filmtaal vast wel eens gehoord. Wat bedoeld wordt is dat montage het beslissende proces is dat de latere film creëert. De video's die je hebt opgenomen zijn slechts het ruwe materiaal dat je bij de montage samenvoegt tot een film. Of ook tot verschillende films.
De computer dient nu als montagetafel. Het is veel efficiënter en handiger om virtuele videofragmenten op de monitor met de muis te verplaatsen dan om echt celluloid met een schaar te knippen en te plakken.
Videobewerking is een kunst die, zoals alle kunst, volgens bepaalde regels verloopt. Hieronder leggen we uit wat deze regels zijn en hoe je ze op je eigen pc kunt toepassen.
Montage & montagetechniek
Laten we beginnen met de basisbegrippen van videobewerkingstechniek: beeldmateriaal, shot, takes, cut, scènes.... Wat wordt daarmee bedoeld? Hoe staan deze termen in verband met elkaar?
- Beeldmateriaal is de naam van de ongesneden videobestanden die je van de geheugenchip van je videocamera haalt. Het is het ruwe materiaal voor je film.
- Een shot is een ononderbroken filmsequentie, d.w.z. de videofragmenten op je camera tussen elke keer dat je de opname in- en uitschakelt. Het is het beste om een lijst bij te houden van de shots die je hebt gemaakt wanneer je je video opneemt. Dit geeft je een overzicht van welk beeldmateriaal op de geheugenchip staan. Als je de camera-instellingen van tevoren wilt plannen, maak dan op tijd een opnameschema.
- Takes zijn variaties van shots die bijvoorbeeld hetzelfde motief vanuit verschillende perspectieven tonen, of opnamen die in bepaalde details van elkaar verschillen (bijvoorbeeld met betrekking tot het licht en achtergrondelementen). Takes bieden later tijdens het bewerken een keuze uit verschillende opties. Bij het bekijken van het materiaal op de computer moeten de toewijzing van takes en shots zo mogelijk niet door elkaar gehaald worden. Het moet altijd duidelijk zijn wat een alternatieve take is en wat een nieuw shot is. In de beroepssfeer worden hiervoor filmklappers gebruikt, waarop de camera-instelling en het nummer van de opname worden genoteerd.
- De montage (cut) is eigenlijk het punt in de film dat het ene shot van het andere scheidt. Een montage in het beeldmateriaal aanbrengen is heel eenvoudig: in het videobewerkingsprogramma MAGIX Video deluxe plaats je gewoon de afspeelmarker op de gewenste knip en druk je op de knop 'T'. Vervolgens verwijder je het niet te gebruiken deel uit het spoor en schuif je de rest bij elkaar, zodat het gat wordt gedicht. De moeilijkere taak is het vinden van de juiste montagepunten.
- Een scène markeert een sectie in de film. Meestal bestaat deze uit een samenhangend ruimte-tijdcontinuüm, dat echter niet zonder hiaten hoeft te worden weergegeven. Een scène bestaat meestal uit meerdere shots. Wanneer je bijvoorbeeld een dialoog laat zien, zet je meestal verschillende shots achter elkaar, waarbij soms de spreker te zien is, soms de luisteraar, soms beiden samen, terwijl de soundtrack ononderbroken doorloopt. Het geheel zorgt dan voor een dialoogscène. Een scènewisseling markeert een nieuwe sectie. De overgang van het laatste shot van de actuele scène naar het eerste shot van de volgende is meestal anders – namelijk duidelijker – als tussen de shots van dezelfde scène.
Shots
Zoals reeds gezegd, verwijst een shot naar een filmsequentie die zonder onderbreking is opgenomen met de camera continu draaiend. Als vuistregel geldt dat elk shot ten minste 3 seconden lang moet zijn, tenzij deze deel uitmaakt van een sport- of actiescène. Kortere shots creëren een gevoel van hectiek en spanning, wat natuurlijk ook bewust kan worden gebruikt om een ademloze dynamiek te creëren. Maar normaal gesproken moet je de 3-secondenregel kennen en ter harte nemen.
Elk shot wordt gemaakt in een specifieke camera-instelling. Het bepaalt hoe groot het onderwerp in het beeld te zien is. De grootte geeft de kijker een indruk van de afstand van het onderwerp tot de kijker. De kijkers putten uit hun alledaagse ervaringen: een gezicht in close-up dat het scherm of de monitor vult, lijkt heel intiem en dichtbij, mensen als kleine figuren in een landschap daarentegen lijken ver weg.
Tussen nabijheid en afstand is de volgende schaal van shots gangbaar geworden.
Ver weg
In dit shot doen details er niet toe. Landschappen, zonsondergangen, skylines worden 'ver weg' getoond. Dit shot wordt vaak gebruikt als begin- of eindpunt van een reeks verwante scènes en vormt de overgang naar een nieuwe sectie.
Long shot
Het "long shot" geeft de kijker een overzicht van wat er gebeurt en zorgt voor oriëntatie. Het zet meestal een verandering van scène in gang. Als je bijvoorbeeld eerst een long shot van de buitenkant van een huis laat zien en dan een opname van het interieur, zijn deze twee opnamen cinematografisch met elkaar verbonden. De kijker herkent door de beeldwisseling in welk huis het interieur zich bevindt.
Medium long shot
In dit shot is de afstand tot het onderwerp nog steeds vrij groot. Je ziet complete mensen van top tot teen, je kunt hun handelingen volgen. De lichaamstaal is gemakkelijk te zien, maar de gezichtsuitdrukkingen blijven onnauwkeurig.
Medium shot/Amerikaans
In het medium shot zie je het bovenlichaam van een persoon vanaf ongeveer de taille omhoog. De verhouding van de personen tot elkaar kan evenzeer worden geobserveerd als de communicatieve situatie. 'Amerikaans' laat iets meer van de mensen zien, tot aan de knieën.
Medium close-up
Dit shot komt ongeveer overeen met het borstbeeld van een persoon. Op televisie is 'medium close-up' de shotgrootte van nieuwslezers en presentatoren. Het wordt vaak gekozen om de aandacht te vestigen op de gelaatsuitdrukkingen van de personen.
Close-up/detail
Het shot 'close-up' toont het hoofd van een persoon tot aan de nek of het begin van de schouders - de waarneming van de kijker is volledig geconcentreerd op de gezichtsuitdrukkingen. In het shot 'Detail' kan slechts een klein gedeelte van een persoon of voorwerp worden gezien. De indruk van intieme nabijheid wordt gewekt. Met deze shots bevindt de kijker zich in het centrum van de actie.
Camerabewegingen
Omdat films zelden uit statische shots bestaan, is naast de shots ook een beschrijving nodig van de bewegingen die de camera heeft gemaakt of geacht wordt te maken. De camera kan bewegen, pannen en zoomen met een groot aantal snelheden om kalmte of haast, ontspanning of drama te creëren. Het is trouwens niet meer zo dat de camera niet mag trillen en altijd op een statief moet rusten. Het gebruik van een handcamera is allang een stijlmiddel geworden dat wordt gebruikt om authenticiteit, nervositeit en drama te creëren.
Camerabeweging
Panning shots geven een panoramisch beeld en worden gebruikt om landschappen of andere panorama's te tonen. Goede pannen beginnen met ongeveer 2-4 seconden stilstand op het startbeeld en eindigen weer met 2-4 seconden stilstand op het eindbeeld. Tussen de begin- en eindbeelden beweegt de camera langzaam, vloeiend en met een constante snelheid. Vuistregel voor het filmen: begin niet te vroeg, stop niet te vroeg en stop niet met panning in het midden.
Je kunt zowel horizontaal als verticaal pannen, maar niet diagonaal. Gecombineerde pannen zijn ook mogelijk. Voer de camerabeweging slechts in één richting uit - d.w.z. niet heen en weer of op en neer. Gebruik een statief. In de meeste gevallen moet je vóór het pannen het begin- en eindpunt bepalen en bedenken hoe je de camera van het ene punt naar het andere beweegt. En probeer het dan een paar keer achter elkaar.
Met een krachtig videobewerkingsprogramma zoals MAGIX Video deluxe is het mogelijk om achteraf van statische opnamen virtuele cameradraaiingen te maken. Vervolgens bepaalt je thuis op de computer eerst de beelduitsnede die als beginframe aan het begin van de pan wordt getoond en vervolgens het eindframe. De tussenliggende pan wordt automatisch door het programma berekend. Het beginframe wordt schermvullend weergegeven en langzaam door het videoframe naar het eindframe 'gepanned'. Hiervoor moet het bronmateriaal een voldoende hoge resolutie hebben, zodat het ingezoomde gedeelte van het beeld er niet pixelachtig uitziet.
Zoom
De zoom is een specifieke gesimuleerde camerabeweging waarbij hetgeen dat wordt getoond wordt vergroot of verkleind. Dit wekt de illusie dat je naar het onderwerp toe of van het onderwerp af beweegt. Het gebruik van de zoomfunctie heeft altijd een paar nadelen. Zo wordt elke subtiele cameratrilling snel een aanzienlijke wiebelbeweging omdat de bewegingen worden versterkt door de vergroting. Dit is waar het gebruik van een statief of beeldstabilisatie achteraf helpt.
Digitale zooms kunnen ook later in het videobewerkingsprogramma worden gemaakt. Het is echter beter om de analoge zoom op de camera te gebruiken, omdat de resolutie ongewijzigd blijft. En idealiter stop je niet eens om in te zoomen, maar loop je stoutmoedig vooruit met de camera.
Trouwens, een alternatief voor de zoom zou zijn om de focus aan te passen. Een typisch voorbeeld: een persoon staat voor een poster; eerst wordt op de persoon gefocust. Hij vertelt iets. Zodra hij klaar is, wordt de focus veranderd en komt de poster scherp in beeld, waardoor deze op de voorgrond treedt. Als je slim bent met de camera, hoef je het shot niet eens te veranderen.
Camerabeweging
Je kent camerabewegingen uit bijna elke film. Om beweging toe te voegen aan een statische gebeurtenis, beweeg je de camera tijdens de opname.
Tijdens zijn beweging ziet de camera altijd iets nieuws. Voorbeelden zijn het filmen uit een open autoraam of het lopen naast een persoon.
Hoe stabieler je de camera houdt, hoe beter. In de professionele sector worden ook vaak rails gelegd voor dit doel. Maar je kunt ook rustige camerabewegingen maken met een kleine handkar. Plaats de camera op een statief, het statief op een wagentje en trek het wagentje langzaam rond je onderwerp.
En als je pas tijdens het bewerken op je computer merkt dat een shot te statisch is en een volgshot hier beter zou zijn, kun je ook achteraf een virtueel volgshot maken met een goed videobewerkingsprogramma zoals MAGIX Video deluxe. Hiervoor wordt, net als bij panning, eerst een beelduitsnede bepaald, dat vervolgens schermvullend wordt getoond en langs vrij aan te passen wegen door het beeldmateriaal wordt bewogen. Trouwens, dit werkt ook goed met foto's.
Scènes
Door middel van montage worden de opnamen in hun definitieve vorm gebracht en samengevoegd tot scènes. Binnen een lopende scène moet de kijker de verandering van setting zo mogelijk niet opmerken. Bij een scènewisseling is het andersom: hier wordt je geacht op te merken dat de setting of de tijd is veranderd. De montage moet ook dienovereenkomstig opvallend zijn.
Elke montage veroorzaakt altijd een tijdsprong, locatie- of perspectiefwisseling. De continuïteit van het filmverhaal wordt doorbroken. Maar er zijn technieken om deze montage voor de toeschouwer vrijwel ongemerkt te laten plaatsvinden. Dit principe noemt men 'onzichtbare montage' ('continuity editing'). De onzichtbare montage is uiteraard niet letterlijk onzichtbaar, maar mag door de kijker niet bewust worden waargenomen, waardoor de indruk van een ononderbroken verhaal ontstaat.
Enerzijds gaat het erom te bepalen welke uitsnedes van het materiaal moeten worden gebruikt. Start- en eindpunt moeten voor elk shot afzonderlijk worden bepaald. Anderzijds gaat het ook om de overgangen tussen twee shots: waar houdt het eerste op, waar sluit het tweede shot aan?
De vraag, waar een shot moet worden gemonteerd, heeft betrekking op het volgende shot. De vraag hoe lang een shot moet zijn, kan worden beantwoord indien de duur van eerdere en latere shots bekend zijn. Door het op elkaar afstemmen van de lengte, produceer je een filmisch ritme waarmee je de actie kunt dramatiseren of ontspannen.
Dus het hangt altijd af van de context. Maar we willen je niet alleen zo'n vaag antwoord geven. Er zijn antwoorden die zijn ontstaan tijdens de filmgeschiedenis. Onder montagevaklieden wordt fel gediscussieerd of dit nu algemeen geldende wetten of aanbevelingen, of zelfs totalitaire pretenties zijn. Met deze discussie hoeven we ons nu niet meer bezig te houden. De 'klassieke' montageprincipes zijn de resultaten van jarenlang werk van professionele cutters en hun kennis kan de eigen technologie alleen maar verrijken.
Montagetechnieken
Op welke punten moet een shot worden gemonteerd, hoe moeten de shots worden samengevoegd? Deze vragen zijn het belangrijkst voor concrete videobewerking.
Wij beperken ons tot de belangrijkste uitgangspunten:
Bewegingsmontage
Het eerste principe zou zijn om in een scène in de beweging te knippen. Dus als je bijvoorbeeld een medium close-up en en een close-up shot hebt gemaakt, iemand brengt een glas naar zijn mond en drinkt, monteer je de beeldwisseling in het midden van de beweging, terwijl de arm wordt opgetild.
Betekenis van dit principe is om de montage zo onopvallend mogelijk te houden. Tijdens het bewegen herkent de kijker reeds het doel van de beweging en kan het einde inschatten. De kijker wordt voorbereid op de verbindingsshots; hij vermoedt nu al dat het glas de mond zal bereiken. Hij kent de plot. Indien vervolgens in de beweging gesneden wordt, valt hem het volgende beeld minder op dan wanneer de beweging volledig wordt uitgevoerd en met de montage een nieuwe, onbekende handeling begint.
Shots binnen een scène moeten worden geknipt voordat de acteurs het beeld hebben verlaten, d.w.z. voordat de scène wordt verlaten. Tenzij er een speciale reden is. Voor overgangen tussen de scènes kan een leeg scènebeeld - daarentegen - juist worden geplaatst om de spanning te laten afnemen. Maar binnen de scène moet legen beelden worden vermeden.
Beide principes zijn in principe varianten van hetzelfde principe: scènes worden als een uniforme verhaallijn behandeld en een leeg scènebeeld of een voltooide beweging duiden op een einde van de verhaallijn.
Montage/tegenmontage is het meestgebruikte, eenvoudigste en tegelijkertijd meest effectieve montageprincipe dat je overal aantreft in film en televisie. Denk aan iemand die op straat staat en een huis binnen wil gaan. Hij nadert de huisdeur en doet deze open. Bij binnenkomst wordt geknipt; als tegenmontage verschijnt een binnenopname van hoe dezelfde man aan de binnenkant de voordeur sluit, zijn jas uittrekt en op de kapstok hangt.
Wanneer deze twee shots samen gemonteerd zijn, is het resultaat een natuurlijke actie waarin niemand eraan twijfelt dat de gang waarin de man zijn jas uittrekt, dezelfde gang is die zich achter de voordeur bevindt die de man eerder in de buitenopname ontsloot. Hoewel dat in de realiteit van filmstudio's zeer twijfelachtig is.
Of denk aan een dialoog in een film: je ziet en hoort een acteur in close-up spreken, en terwijl hij aan het woord is, wordt het gezicht van een toehoorder er plotseling bijgesneden. Eigenlijk zie je dus iets heel anders, wat helemaal niet overeenkomt met wat er te horen is op de soundtrack, namelijk een onbewogen gezicht. De oplettendheid van de kijker maakt van het nieuwe, zwijgende gezicht de luisteraar van de spreker. Zonder montage zou de opname van de luisteraar slechts een gezicht zijn. Als tegenmontage in een dialoog wordt dit gezicht een luisteraar. Misschien toont het uitdrukkingsloze gezicht in deze context zelfs een bepaalde reactie: aandacht, scepsis, misschien afwijzing...
Het begrip van de volledige filmplot ontstaat 'cut by cut' uit de montages van dergelijke betekenis genererende minivervolgsequenties. De gemonteerde scènes worden door de kijker in een filmische context geplaatst. Naast montage/tegenmontage zijn er nog vele andere montagetechnieken die gedeeltelijk kunnen worden geïnterpreteerd als varianten van de montage/tegenmontagetechniek.
Hierbij zijn de aan elkaar gemonteerde shots oorzakelijk (causaal) van elkaar afhankelijk. Zonder het eerste shot zou het tweede niet te begrijpen zijn.
Voorbeelden: je ziet twee mensen luidkeels ruzie maken en in het volgende shot verdwijnt de ene persoon door een deur en laat de deur dichtslaan. Of iemand plaatst een revolver en schiet en in het volgende shot valt iemand dood om.
Twee acties worden parallel weergegeven; tussen de handelingen wordt heen en weer gemonteerd. Met stapsgewijs inkorten van de shots kan de spanning tot een hoogtepunt worden opgebouwd.
Stel je bijvoorbeeld twee auto's voor die van verschillende kanten naar een kruispunt scheuren. Als je de tijd tussen parallelle cuts verkort, verhoog je de spanning vóór de crash (als die er is).
Door het rangschikken van scènes kan bij de kijker een bepaald verband worden opgeroepen. De bijbehorende uitspraak wordt niet direct gezegd of getoond.
Voorbeeld: een man doet mee aan de loterij en bekijkt in het volgende shot dure auto's bij een autodealer.
Gebeurtenissen die niet kunnen of moeten worden weergegeven, worden vervangen door beeldequivalenten.
Voorbeelden: een kind is geboren, maar in plaats van de pijnlijke geboorte in het ziekenhuis wordt de bloei van een bloemknop getoond. Of een liefdespaar wentelt zich in bed, en als vervangingsmontage wordt knallend vuurwerk getoond.
Opvallend verschillende shots worden met contrastmontage aan elkaar gemonteerd, bv. om de aandacht van de kijker naar een tegenstrijdigheid te sturen.
Voorbeeld: een toerist zit verveeld aan de hotelbar en in het volgende shot zijn bedelaars te zien.
De contrastmontage wordt vaak ook gebruikt na een lange, rustige scène om ingeslapen publiek weer te wekken en te laten zien dat nu de handeling verder gaat. Denk aan een acteur die lang nadenkend naar een foto kijkt en in het volgende beeld dendert plotseling een trein luid een treinstation binnen.
Hier worden shots bij elkaar geknipt omdat zij een vormelijk aspect gemeen hebben, bijvoorbeeld dezelfde beeldinhoud, kleuren, vormen of bewegingen (rood shirt en rode auto, voetbal en wereldbol, vallend raam en vallende veer).
De meest bekende vormmontage moet de openingsscène van Stanley Kubricks film '2001: A Space Odyssey' zijn, waarin een mensaap een bot in de lucht gooit en in het volgende shot een satelliet in een baan dezelfde beweging overneemt, waarbij vier miljoen jaar verstreken zijn.
De twee gemonteerde shots hebben aanvankelijk alleen het de beweging gemeen. De montage triggert het zoeken van de kijker naar contextuele verbanden, wat bijvoorbeeld leidt tot de gedachte dat het gooien van botten het proces van menswording begon en doorgaat tot in het satelliettijdperk.
Ook dit ken je vast wel: iemand zit 's avonds aan tafel rustig een boek te lezen en plotseling zijn hectische stemmen en rinkelende telefoons te horen. En net voordat je je afvraagt wat dat betekent in deze stille situatie, is er een cut en zie je een heel andere scène, bijvoorbeeld op het hoofdbureau van politie, met de soundtrack die doorgaat.
Deze montagetechniek heet 'akoestische montage'. Daarbij worden geluid- en beeldspoor asynchroon geknipt. Deze techniek wordt ook wel J-L montage genoemd, omdat met een beetje fantasie het beeld en geluid in de arranger van het videobewerkingsprogramma eruit zien als een 'L' of een 'J' wanneer het geluidsspoor vroeg begint zonder het begeleidende beeld.
Tenslotte is nog een montagetechniek vermeldenswaard die erop gericht is de continuïteit van de actie van de film binnen een scène op opvallende wijze te onderbreken. De jump cut is bedoeld om irritatie op te wekken; hij trekt de aandacht van de kijker door het shot op schijnbaar ongelegen momenten te onderbreken, maar gaat onmiddellijk daarna weer verder. Hierdoor ontstaat het gevoel dat een deel van de opname ontbreekt.
Het kan op verschillende manieren, maar verzekert altijd dat de montage als een sprong (jump) wordt waargenomen. Jump cuts worden beschouwd als modern en worden nu overal gebruikt, bijvoorbeeld ook in persoonlijke portretten wanneer een interview door abrupte beeldwisseling geknipt wordt.
Dramatische as of 180 gradenregel
Bij videobewerking is er een belangrijke regel voor de samenstelling van shots. Als je een persoon in de film van links naar rechts door het beeld ziet bewegen en na de cut in het volgende shot plotseling van rechts naar links, ben je het slachtoffer geworden van een assprong. Ze zijn geïrriteerd en weten niet waar deze persoon eigenlijk heen wil.
Die as waar je niet overheen mag komen, heet de 'dramatische as'. Het is een denkbeeldige hulplijn waaraan de actie geörienteerd wordt en die de getoonde ruimte in twee helften verdeelt. Aan de kant van de camera is er een halve cirkel die aan de ene kant door de camera en aan de andere kant door het filmverhaal wordt gedefinieerd. Vanwege de 180 gradenhoek van deze halve cirkel, heet deze regel ook wel de 180 gradenregel. De halve cirkel van 180 graden zorgt - net als de gezichtshoek of een podium - voor de ruimtelijke oriëntatie van de kijker. De 180 gradenregel bepaalt nu dat alleen de shots achter elkaar mogen worden geknipt die binnen deze halve cirkel zijn gemaakt.
Een voorbeeld: twee acteurs zijn verwikkeld in een dialoog en kijken elkaar recht in de ogen. De dramatische as is in dit geval de kijkrichting. De camera kan nu de twee acteurs frontaal in profiel tonen, schuin van voren of in extreme gevallen tot de dramatische as bewegen, zodat je de acteur over zijn schouders kijkt en de ander van voren laat zien. (Dit is het zogenaamde 'over-the-shoulder shot' en is erg populair want het combineert het perspectief van de acteur met het externe perspectief.)
Al deze shots kunnen zonder problemen na elkaar worden gemonteerd. Op het moment echter dat de camera de dramatische as overschrijdt, worden de gesprekspartners in het beeld verwisseld. De acteur, die voorheen links in beeld was, verschijnt nu rechts in beeld. Het resultaat is een assprong.
Assprongen zijn problemen die zich pas voordoen bij de montage. Als de dramatische as in een ongemonteerd shot overschreden wordt, ontstaat er geen assprong, maar een onproblematische asuitwisseling, waarbij de kijkers zich aan de hand van het beeldcontinuüm kunnen oriënteren.
Dramatische assen ontstaan met name door de loop- en kijkrichtingen van de acteur. Nieuwe dramatische assen kunnen worden vastgesteld wanneer acteurs plotseling ergens anders naar kijken, zich omdraaien of op iets nieuws aflopen of wanneer iets nieuws van buitenaf in beeld komt. Dan kan ook de buiten het oorspronkelijke 180 gradenbereik worden geknipt, omdat de oriëntatie van de kijker en daarmee de dramatische as veranderd is.
Overgangen en fades
Het zijn niet alleen de interfaces die van belang zijn, maar ook de overgangen. Fades geven aan hoe twee shots met elkaar verbonden zijn. De 'hard cut' in de film is de regel; hij vormt eigenlijk de afwezigheid van een fade en verbindt twee shots zonder franjes, zonder effect, kort en pijnloos.
Daarnaast zie je bij scèneovergangen ook kruisovergangen (crossfades) en zachte fade-ins en fade-outs. Bij een kruisovergang gaat het beeld van de vorige scène geleidelijk over in het beeld van de volgende scène. Bij slideshows zijn de kruisovergangen de regel, want er worden stilstaande beelden getoond. De kruisovergang dient er hier voor, de komende beeldsprong aan te kondigen en te verzachten.
Bij de film gaat het er gewoonlijk om een continuüm weer te geven en daarom de beeldovergangen binnen een scène zo onopvallend mogelijk te houden. Overgangen in de film bereiden de kijker er op voor dat er een scènewisseling aankomt. Ze sturen de aandacht van de continuïteit naar een verandering.
Een nog sterkere cut, produceert de fade-out. Hier wordt op het einde van een scène het beeld verduisterd en kort een zwart scherm getoond. Pas dan begint de volgende scène - meestal met een fade-in. De fade-out zorgt ervoor dat de kijker een korte pauze krijgt en zich opnieuw kan concentreren. Het is vergelijkbaar met het langer sluiten van de ogen, een hoofdstukwissel in een boek of een vallend gordijn in theater. Daarom markeert de fade-out meestal het einde van een volledige reeks van gerelateerde scènes: een sequentie.
Er zijn natuurlijk ook andere, soms zeer effectieve overgangen, die je af en toe ziet in films. Soms vliegt het beeld van de slotscène wild draaiend weg of wordt als in een tunnel langzaam van de kijker onttrokken.
Maar wees voorzichtig met dergelijke overgangseffecten - zij leiden de kijkers van de film van het filmverhaal af.
De juiste montagesoftware
Om een goede videofilm te maken met de beschreven montagetechnieken, heb je naast je beeldmateriaal van de camera ook krachtige montagesoftware nodig. Het is belangrijk dat je verschillende cuts kunt uitproberen en ongedaan maken. Het videobewerkingsprogramma moet daarom uitnodigen tot experimenteren met de bewerking en zo intuïtief in het gebruik zijn dat je met een paar muisklikken door de vele bewerkingsmogelijkheden heen kunt lopen.
Wij adviseren MAGIX Video deluxe Plus. Dit geavanceerde videobewerkingsprogramma biedt alles wat je nodig hebt om alle beschreven bewerkingstechnieken toe te passen zonder een lange inwerktijd. De beeld- en geluidssporen zijn in de arranger overzichtelijk gerangschikt en kunnen op elk moment worden geknipt, ingekort en weer verlengd zonder dat het kostbare beeldmateriaal op de harde schijf worden aangetast - want het programma werkt volledig virtueel.
Elke stap kan dus zonder problemen worden uitgeprobeerd en ongedaan gemaakt. Voor een J-L-montage, bijvoorbeeld, druk je gewoon de Alt-toets in bij een interface en, terwijl je de muisknop ingedrukt houdt, sleep je de rand van het beeldspoor naar achteren terwijl het geluidsspoor ongewijzigd blijft. Schuif vervolgens het voorste geluidsspoor naar links en beide shots in elkaar - klaar is de "akoestische montage".
Naast alle bewerkingsfuncties biedt Video deluxe belangrijke speciale functies zoals een goede beeldstabilisatie, bijvoorbeeld voor panning zonder statief, virtuele camerabewegingen of een krachtige beeldoptimalisatie.
Videobewerking met MAGIX Video deluxe Plus, de software voor gewoon goede films:
- Importeren & exporteren van alle relevante formaten
- Snelle & gedetailleerde montage
- Automatische wizard
- Tot wel 900 effecten & muziek
- Intuïtieve sjablonen voor intro, outro, ondertitels, fades, opening credits en nog veel meer.
- Je films op dvd & Blu-ray (incl. menuontwerp)
