"Os filmes são feitos na sala de edição". Certamente você já ouviu essa frase antes da linguagem cinematográfica. O que se quer dizer é que a edição é o processo crucial que cria o filme posterior. Os vídeos que você filmou são apenas a matéria prima que você monta em um filme quando está editando. Ou pode até ser usado para fazer vários filmes.
Hoje em dia, o computador serve como mesa de edição. Usar o mouse para mover trechos virtuais de vídeo no monitor é mais fácil e eficiente do que cortar filme de celulóide com uma tesoura e juntá-lo.
A edição de vídeo é uma arte que, como toda arte, segue certas regras. A seguir, explicaremos quais são essas regras e como você pode implementá-las em seu próprio computador.
Técnicas de corte e edição
Vamos começar com os conceitos básicos da tecnologia de edição de vídeo: filmagem, plano, tomada, corte, cena... Qual o significado desses termos e qual é a conexão entre eles?
- Filmagem refere-se a arquivos de vídeo não editados salvos no cartão de memória de sua câmera de vídeo. Essencialmente, é a matéria-prima para o seu filme.
- Um plano é uma sequência de filme ininterrupta, ou seja, um vídeoclipe capturado desde o momento em que a câmera começa a rodar até parar. Manter uma lista de todas as tomadas que você fez durante uma sessão de filmagem não é má ideia. Dessa forma, você poderá manter uma visão geral das imagens armazenadas no cartão de memória. Se você quiser planejar as filmagens, crie um cronograma de filmagem com antecedência.
- As tomadas são variantes de fotos que, por exemplo, mostram o mesmo assunto em diferentes perspectivas ou planos que diferem uns dos outros em determinados detalhes (por exemplo, iluminação e elementos de fundo). As tomadas fornecem uma variedade de opções quando é hora de começar a editar. Ao verificar seu material em seu computador, tome cuidado para não confundir a ordem de tomadas e planos. Deve ser sempre claro para você qual é uma tomada alternativa e qual é um novo plano. Claquetes são usadas no cinema profissional para designar e marcar os planos, bem como o número de cada tomada.
- O corte (em inglês "Cut") é na verdade o ponto do filme que separa um plano do outro. Definir um corte no material é incrivelmente fácil no programa de edição de vídeo MAGIX Movie Studio, basta colocar o marcador de reprodução onde deseja cortar e pressionar o botão "T". Em seguida, retire a parte da faixa que não será usada e junte o restante para que a lacuna seja fechada. A tarefa mais difícil é encontrar os locais de corte certos.
- Uma cena marca uma passagem, uma unidade de significado, em um filme. Geralmente contém material que pertence a um único local e contínuo de tempo, que não precisa ser mostrado de forma ininterrupta. Uma cena normalmente consiste em vários planos. Se você estiver filmando um diálogo, a maioria dos planos será colocada uma após a outra – eles podem alternar entre mostrar a pessoa falando, a pessoa ouvindo ou ambos juntos, enquanto a faixa de áudio é reproduzida ao lado, sem cortes. O resultado é uma cena de diálogo. Uma mudança de cena em um filme marca uma nova passagem. A transição entre a última cena da cena atual e a primeira cena da próxima cena é tipicamente diferente – e mais perceptível – do que as transições que ocorrem entre as cenas dentro de uma única cena.
Planos
Como já mencionado, um plano refere-se a uma sequência de filme ininterrupta que foi gravada com a câmera funcionando continuamente. Como regra geral, a menos que faça parte de uma cena de ação ou esportes, cada cena deve ter pelo menos 3 segundos de duração. Planos mais curtos criam uma sensação de agitação e tensão que, claro, também pode ser usado deliberadamente para criar uma dinâmica que deixa o espectador sem fôlego. Mas geralmente você deve estar ciente e levar a sério a regra dos 3 segundos.
Cada plano é filmado em um ângulo de câmera específico. Essa configuração determina o tamanho do padrão que pode ser visto na imagem. O tamanho dá ao espectador uma impressão de quão longe o motivo está. O espectador pode contar com suas experiências cotidianas: um rosto em close-up que preenche a tela ou monitor parece muito íntimo e próximo, enquanto pequenas figuras de pessoas dentro de uma vasta paisagem parecem distantes ou isoladas.
Entre proximidade e distância, os seguintes planos tornaram-se comuns.
Plano aberto
Neste plano, os detalhes não importam. As paisagens, os pores-do-sol, os horizontes mostram-se em toda a sua "amplitude". Esse plano é frequentemente usado como início ou fim de uma sequência de cenas relacionadas e transmite uma transição para uma nova seção.
Plano geral
O plano geral dá ao espectador uma visão geral do que está acontecendo e serve como orientação. É frequentemente usado para iniciar uma mudança de cena. Por exemplo, se for mostrado primeiro um plano amplo do exterior de uma casa e, em seguida, um interior, esses dois planos são vinculados cinematicamente. O espectador reconhece a qual casa aquele interior pertence através da mudança de imagem.
Plano inteiro
Neste plano, a distância até o motivo ainda é relativamente grande e há ênfase no cenário. Os espectadores podem ver as pessoas da cabeça aos pés e podem acompanhar seu movimento total. A linguagem corporal é claramente visível, embora a expressão facial não seja totalmente clara.
Plano americano
Já no plano americano, a parte superior do corpo de uma pessoa é vista da cintura para cima. Ele enfatiza os assuntos do seu filme e sua relação entre si e é útil para cenas de diálogo. O "plano americano" (também conhecido como plano de três quartos) mostra o corpo do ator dos joelhos para cima.
Plano médio
No plano médio, você pode ver a parte superior do corpo de uma pessoa ao redor dos quadris. Na televisão, o "plano médio" é usado em noticiários e para enquadrar apresentadores. É muitas vezes escolhido para chamar a atenção para as expressões faciais das pessoas.
Primeiro plano e plano detalhe
A técnica de filmagem de um "primeiro plano" mostra a cabeça de uma pessoa até o pescoço ou ombros – isso chama a atenção do público para as expressões faciais. Em um "plano detalhe", apenas uma pequena porção de uma pessoa ou objeto é mostrada. O que dá a impressão de que o observador está de perto. Em outras palavras, esse tipo de filmagem faz com que o espectador se sinta bem no centro da ação.
Tipos de movimentos da câmera
Como os filmes raramente são criados a partir de tomadas estáticas, você precisa, além das tomadas, de uma descrição dos movimentos que a câmera fez ou deve fazer. A câmera pode ser usada para rastrear fotos, panorâmicas e zooms em uma ampla gama de velocidades para criar uma atmosfera de calma ou de atividade frenética, relaxamento ou drama, etc. Aliás, não é mais necessário que a câmera não balance e que esteja sempre apoiada em um tripé. Na verdade, o uso de câmeras portáteis há muito se tornou um dispositivo estilístico usado para criar autenticidade, ousadia e drama.
Panorâmica
As imagens panorâmicas fornecem uma visão geral e são usadas para mostrar paisagens ou outros panoramas. Uma boa foto panorâmica começa com cerca de 2-4 segundos de imobilidade no quadro de abertura e terminam novamente com 2-4 segundos de imobilidade no quadro final. Entre as imagens de abertura e fechamento, a câmera se move lenta, suavemente e com velocidade constante. Regra geral para gravação: não comece muito cedo, não pare muito rápido e não pare de fazê-la no meio.
Você pode se mover tanto na horizontal quanto na vertical, mas nunca na diagonal. Você também pode combinar diferentes panorâmicas. Recomenda-se, no entanto, que você mova a câmera apenas em uma direção; isto é, não vá para frente e para trás ou para cima e depois para baixo. Use um tripé. Na maioria dos casos, você deve planejar seus pontos inicial e final antes de se mover e pensar em como deseja deslocar a câmera de um ponto para outro. Em seguida, tente várias vezes seguidas.
Um programa de edição de filme de alto desempenho, como o MAGIX Movie Studio, permite criar panorâmicas virtuais para gravações estáticas, mesmo após a criação da filmagem. Selecione em seu computador o segmento de imagem que aparecerá como imagem inicial da panorâmica e depois a imagem de fechamento. O programa calcula automaticamente a panorâmica intermediária. A imagem inicial é mostrada em tela cheia e, em seguida, percorrerá lentamente o vídeo até a imagem final. Para fazer isso, o material de origem deve ter uma resolução alta o suficiente para que a seção ampliada da imagem não apareça pixelizada.
Zoom
O zoom é a simulação de um movimento específico da câmera em que o que é exibido é ampliado ou reduzido, criando a ilusão de se aproximar ou afastar do assunto. Usar o recurso de zoom sempre tem algumas desvantagens. Assim, qualquer movimento sutil da câmera rapidamente se transforma em considerável oscilação, pois os movimentos são amplificados com ampliação. Isto cria a ilusão de se deslocar para o sujeito ou de se afastar dele. A utilização da função zoom tem sempre algumas desvantagens. Assim, qualquer trepidação subtil da câmara torna-se rapidamente uma oscilação considerável, porque os movimentos são amplificados pela ampliação. Aqui é onde o uso de um tripé ou a estabilização subsequente da imagem pode ajudar.
Os movimentos de zoom digital também podem ser criados posteriormente no programa de edição de vídeo. No entanto, é melhor usar o zoom analógico da câmera, pois a resolução não muda. E, idealmente, você nem deve parar para dar zoom, mas sim caminhar determinada para frente com a câmera.
Aliás, uma alternativa ao zoom seria ajustar o foco. Um exemplo típico: uma pessoa fica na frente de um cartaz; concentre-se nessa pessoa primeiro. Essa pessoa diz alguma coisa. Assim que está pronto, o foco é mudado e o cartaz entra em foco, passando assim para o primeiro plano. Se for hábil com a câmera, não precisa nem mesmo mudar o ajuste para fazer isso.
Movimento da câmera
Você já conhece os diferentes movimentos de câmera de quase todos os filmes. Para adicionar movimento a um evento estático, mova a câmera durante a gravação.
Ao fazer isso, a câmera sempre capturará algo novo durante seu movimento. Alguns exemplos disso são filmar da janela de um carro ou correr ao lado de uma pessoa.
Quanto mais firme você segurar a câmera, melhor. No setor profissional, muitas vezes também são colocados trilhos para esse fim. Mas você também pode criar movimentos de câmera calmos com um pequeno carrinho de mão. Coloque a câmera em um tripé, o tripé em um carrinho e puxe lentamente o carrinho ao redor do assunto.
Se você notar durante a edição do filme no seu computador que uma configuração é muito estática e que um movimento de câmera poderá funciona melhor, um programa de edição de vídeo de alta qualidade, como o Movie Studio, pode ser usado para criar uma panorâmica virtual. Para fazer isso, primeiro determine um segmento da imagem; ele será exibido em tela cheia e você poderá movê-lo através do material de imagem ao longo de caminhos livremente configuráveis. Isso também funciona muito bem com fotos.
Cenas
Por meio da montagem, os planos ganham sua forma final e se unem em cenas. Dentro de uma cena em movimento, tente não deixar o espectador perceber as mudanças nas tomadas. Com uma mudança de cenário, é o contrário: aqui deve-se notar a mudança de lugar ou tempo. De acordo com isso, o corte também deve ser marcante.
Cada corte provoca um salto no tempo ou uma mudança de lugar ou perspectiva, ou seja, uma pausa. A continuidade da trama do filme é interrompida. No entanto, existem técnicas para fazer com que essa quebra passe em grande parte despercebida pelo espectador. A continuidade da acção do filme é quebrada. Mas há técnicas para fazer essa incisão em grande parte despercebida pelo telespectador. Este princípio é chamado de "corte invisível" (também conhecido pelo termo em inglês "continuity editing") O corte invisível não é invisível no sentido literal, mas não deve ser percebido inconscientemente pelo espectador, de modo que tenha a impressão de uma ação continue.
Por um lado, trata-se de determinar as seções do material que serão usadas. Os pontos inicial e final de cada plano devem ser definidos separadamente. Por outro lado, trata-se também das transições entre dois planos: onde termina o primeiro, onde se une ao segundo?
Portanto, a questão em que ponto um plano deve ser cortado também sempre se refere ao próximo plano. A pergunta sobre a duração de um plano só pode ser respondida se a duração dos planos anteriores e seguintes for conhecida. Ao combinar as durações entre si, é criado um ritmo cinematográfico que pode ser usado para dramatizar ou relaxar o enredo.
Então sempre depende do contexto.. Mas não queremos deixá-lo com uma resposta tão vaga. Muitas das respostas a essas perguntas surgiram ao longo da história do cinema. Há, de fato, um debate intenso entre os especialistas em publicação sobre se são leis universalmente válidas, meras recomendações ou simplesmente hipóteses absolutas. Mas não precisamos nos preocupar com essa discussão. Os princípios de corte "clássicos" são o resultado de muitos anos de trabalho de editores profissionais, e conhecê-los só pode enriquecer sua própria técnica.
Técnicas de edição ou corte
Em que pontos um plano deve se cruzar? Como os planos devem ser montados? Estas são as perguntas essenciais que você precisa se fazer ao iniciar a edição de filmes.
Vamos nos concentrar nos princípios fundamentais aqui:
Corte em ação
O primeiro princípio é cortar em movimento dentro de uma cena. Por exemplo, se você gravou um plano médio e um close-up de alguém levando um copo à boca e bebendo, você precisa cortar no meio do movimento para a mudança de imagem, enquanto eles estão levantando o braço.
O significado deste princípio é que o corte seja o mais discreto possível. Durante o movimento, o espectador já reconheceu seu objetivo e, por assim dizer, antecipa seu fim. O espectador está pronto para o próximo plano e supõe que, no final, o copo chegará à boca. Você já conhece a ação. Assim, se for cortada durante o movimento, a próxima imagem chama menos atenção do que se o movimento for realizado por completo e com o corte se inicia um novo e desconhecido arco narrativo.
Os planos de uma cena devem ser cortados antes de os atores saírem do quadro, ou seja, antes de saírem de cena. A menos que haja um motivo especial. No caso de transições entre cenas, uma imagem em branco pode ser apropriada para encerrar o suspense de uma cena. Mas dentro da mesma cena, imagens em branco devem ser evitadas.
Ambos os princípios são basicamente variantes do mesmo: as cenas são tratadas como arcos de história unificados, e um quadro vazio ou um movimento que foi concluído indica o fim do arco de história.
O corte/contra-corte é o princípio de edição mais comum, fácil e ao mesmo tempo eficaz, que você pode encontrar em qualquer filme e na televisão. Imagine alguém que está na rua e quer entrar em uma casa. Ele vai até a porta da casa e a abre. O corte é feito na entrada; O plano inverso mostra, através de um plano interior, como esta mesma pessoa fecha a porta da casa por dentro, como tira o casaco e o pendura no cabide.
Quando esses dois planos são montados um ao lado do outro, resta uma ação natural que não deixa dúvidas: o corredor em que o homem se encontra é o mesmo corredor que fica atrás da porta de entrada da casa que foi vista acima no plano externo. Embora, na realidade, seja bastante provável que seja outro estúdio de cinema.
Em alternativa, pense no diálogo de um filme: você vê e ouve um ator em plano médio e, enquanto ele fala, ele de repente se interrompe e o rosto da outra pessoa aparece. Na verdade, vemos algo completamente diferente que não corresponde em nada ao que se ouve na faixa de áudio, ou seja, um rosto imóvel. A atenção do espectador transforma o novo rosto silencioso em um ouvinte do discurso. Sem a montagem, o plano do interlocutor seria simplesmente um rosto. Como um plano reverso em uma cena de diálogo, esse rosto se torna um ouvinte. Talvez esse rosto, na verdade inexpressivo, até mostre uma certa reação nesse contexto: atenção, ceticismo, talvez rejeição...
A compreensão de todo o enredo do filme surge "corte a corte" a partir das montagens dessas mini-sequências geradoras de sentido. As cenas montadas são colocadas em um contexto cinematográfico pelo espectador. Além do corte/contra-corte, existem muitas outras técnicas de montagem, algumas das quais também podem ser entendidas como variantes da técnica de corte/contra-corte.
Nesse caso, as fotos editadas compartilham uma relação causal. Ou seja, sem o primeiro plano o segundo não seria compreendido.
Exemplos: duas pessoas são vistas discutindo alto; na cena seguinte, um deles desaparece por uma porta e a fecha com força. Ou uma pessoa tem uma arma e atira; na cena seguinte, outra pessoa cai no chão morta.
Com a técnica do corte paralelo, você corta para frente e para trás entre duas cenas que são mostradas em paralelo. Ao usar cortes cada vez mais curtos, o suspense é construído até um clímax.
Por exemplo, imagine que dois carros estão acelerando em direção a um cruzamento de lados diferentes. Se o tempo entre os cortes paralelos for reduzido, a tensão antes da colisão (se houver) aumenta.
A disposição das cenas pode causar certa associação no espectador. No entanto, a mensagem associada não é falada ou exibida diretamente.
Um exemplo: um homem joga na loteria; no plano seguinte, um vendedor de carros lhe mostra carros novos e caros.
Eventos que não podem ou devem ser mostrados diretamente são substituídos por imagens equivalentes.
Exemplos: nasce uma criança, mas em vez de mostrar o parto doloroso no hospital, há a imagem de um botão desabrochando. Ou um casal apaixonado se diverte na cama e, como corte substituto, são exibidos fogos de artifício.
Cenas significativamente diferentes são editadas juntas usando um corte de contraste, por exemplo, para chamar a atenção do espectador para uma contradição.
Exemplo: um turista fica entediado no bar do hotel e na cena seguinte aparecem alguns mendigos.
O corte de contraste é frequentemente usado como um link para uma cena longa e silenciosa para acordar o espectador sonolento e mostrar a eles que a ação continua. Imagine um ator que está olhando pensativo para uma foto há algum tempo e, na imagem seguinte, de repente, um trem aparece assobiando na estação.
Neste caso, os planos são editados em conjunto porque têm um aspecto formal em comum, por exemplo, o mesmo conteúdo da imagem ou as mesmas cores, formas ou movimentos (camisa vermelha e carro vermelho, bola de futebol e globo terrestre, janela caindo e pena caindo).
O match cut ou corte formal mais famoso da história pode ser a cena de abertura de "2001: Uma Odisseia no Espaço", de Stanley Kubrick, na qual um macaco joga um osso no ar e, no próximo corte, um satélite em órbita continua. embora quatro milhões de anos tenham se passado entre as duas ações.
Os dois planos inicialmente montados têm apenas movimento em comum. A montagem gera no espectador uma busca por conexões contextuais que levam à ideia, por exemplo, de que o arremesso de um osso marcou o início da humanidade, que continua até a era dos satélites.
Este é outro com o qual você definitivamente está familiarizado. Alguém está sentado à mesa lendo um livro no silêncio da noite. De repente, vozes agitadas e telefones tocando são ouvidos. E pouco antes de você se perguntar o que isso significa nessa situação de silêncio, há um corte e você vê uma cena completamente diferente, por exemplo, da sede da polícia, enquanto a trilha sonora continua.
Esta técnica de edição também é conhecida pelo termo em inglês "J-Cut". Neste tipo de corte, as faixas de áudio e imagem são cortadas separadamente. Essa técnica também é chamada de corte J-L porque, com um pouco de imaginação, a imagem e o som no arranjador do programa de edição de vídeo parecem um "L" ou um "J" quando a trilha sonora começa mais cedo sem a imagem que a acompanha.
Para finalizar, gostaríamos de mencionar uma técnica cinematográfica que visa quebrar um plano sequencial contínuo de um filme de forma abrupta. O jump cut é chocante para o espectador e chama sua atenção, já que o plano é cortado em um momento aparentemente incongruente, mas continua a ser reproduzido. Dá a impressão de que falta uma parte da gravação.
Esse tipo de tomada de filme pode ser criada de várias maneiras, mas não importa qual método seja usado, o efeito é que o filme "salta" no tempo. Os jump cuts ganharam força como um tipo moderno de técnica de filmagem para iniciantes e profissionais, e têm sido usados universalmente, principalmente em entrevistas em vídeo com cortes que pulam de um ângulo de câmera para outro.
Eixo de ação ou regra de 180 graus
Quando se trata de edição de vídeo, existe uma regra importante em relação à composição dos planos. Se você vir uma pessoa no filme se movendo da esquerda para a direita no quadro e, após o corte, na próxima cena repentinamente da direita para a esquerda, você se tornou uma vítima do salto do eixo. Você está confuso e não sabe para onde essa pessoa realmente quer ir.
O eixo que não deve ser ultrapassado é chamado de "eixo de ação". É uma linha imaginária de ajuda que será marcada pela ação e que divide o espaço mostrado em dois. Na lateral da câmera, há um semicírculo definido de um lado pela câmera e do outro pela ação do filme. Devido ao ângulo de 180 graus desse semicírculo, essa regra também é chamada de "regra de 180 graus". O semicírculo de 180 graus serve para orientar o espectador espacialmente, como um campo de visão ou um palco de teatro. A regra de 180 graus afirma que apenas planos feitos dentro desse semicírculo podem ser montados juntos.
Um exemplo: dois atores estão dialogando e estão olhando diretamente nos olhos um do outro. Nesse caso, o eixo de ação é a direção do olhar. A câmera agora pode mostrar os dois atores de frente um para o outro de perfil, diagonalmente ou em um caso extremo, ou posicionar a câmera no eixo da ação de forma que ela olhe por cima do ombro de um ator e mostre o outro de frente. (A propósito, esse plano é chamado de "tomada por cima do ombro" e é muito popular, pois une a perspectiva do ator com a perspectiva externa).
Todos esses planos podem ser cortados um após o outro sem nenhum problema. No entanto, no momento em que a câmera passa pelo eixo de ação, os interlocutores são trocados na imagem. O ator que antes estava à esquerda da imagem agora aparece à direita. Um salto de eixo é feito.
Os saltos de eixo são problemas que só aparecem durante a edição. Quando o eixo de ação se cruza em um plano desmontado, não há salto de eixo, mas sim uma mudança de eixo não problemática, na qual os espectadores podem se orientar com base na continuidade da imagem.
As mudanças de eixo aparecem sobretudo a partir das direções dos movimentos ou dos olhares dos atores. Novas linhas de ação podem ser estabelecidas quando os atores de repente olham para outro lugar, se voltam, caminham em direção a algo novo ou quando algo novo entra em cena de fora. Também é permitido cortar fora da área original de 180 graus, porque a orientação do observador e com ela o eixo de ação mudou.
Transições e fades
Não só é importante onde você corta, mas também as transições. As transições definem como dois planos são conectados. Como regra geral, no cinema costuma-se utilizar o "corte seco" entre as cenas, ou seja, a ausência de transições ou a união de dois planos sem embelezamento, sem efeitos, rápido e indolor.
Além disso, podemos encontrar crossfades e fades suaves para mudanças de cena. No caso de um crossfade, a imagem de uma cena gradualmente desaparece na imagem da próxima cena. No caso de apresentações de fotos, também chamadas de slideshows, os crossfades são mais usados, pois são exibidas imagens estáticas. O crossfade serve neste caso para anunciar e suavizar a mudança da imagem.
Por outro lado, no cinema, normalmente procura-se gerar um continuum e, por isso, tenta-se que as transições de imagem dentro de uma cena sejam o mais discretas possível. Os crossfades em um filme preparam o espectador para a mudança de cena. Eles direcionam a atenção da continuidade para a mudança.
O fade-out produz uma incisão ainda maior. Esta técnica envolve o desvanecimento de uma imagem até que um fundo preto apareça brevemente. Só então começa a próxima cena, geralmente com um "fade-in". O fade-out garante que o espectador possa respirar um pouco e recomeçar. É comparável a quando você fecha os olhos por um momento, há uma mudança de capítulo em um livro ou a cortina se fecha em um teatro. É por isso que o fade-out costuma marcar o fim de toda uma cadeia de cenas relacionadas: uma sequência.
Claro, existem outras transições, às vezes muito impressionantes, que também podem ser usadas ocasionalmente em filmes. Às vezes, a imagem da última cena desaparece como voar em um remoinho ou se afasta lentamente do espectador através de um túnel.
No entanto, tenha cuidado com esses tipos de efeitos de transição, pois eles podem distrair o espectador do que está acontecendo no filme.
O programa de edição de filmes certo
Para produzir um bom filme de vídeo com as técnicas de edição descritas, você precisa de um software de edição poderoso, além das imagens de sua câmera de vídeo. É importante poder experimentar cortes diferentes e também poder desfazer o que você tentou. Portanto, o programa de edição de vídeo deve convidá-lo a experimentar a edição. Também deve ser tão intuitivo de usar que você pode experimentar muitas possibilidades de montagem com apenas alguns cliques do mouse.
Recomendamos usar o MAGIX Movie Studio Platinum. Este sofisticado programa de edição de vídeo oferece tudo o que você precisa para colocar em prática todas as técnicas de edição descritas sem a necessidade de um longo período de treinamento. As faixas de áudio e imagem estão claramente organizadas no arranjador e podem ser cortadas, reduzidas e ampliadas novamente a qualquer momento sem a necessidade de tocar nas imagens valiosas no disco rígido, já que o programa funciona de forma totalmente virtual.
Portanto, cada passo pode ser experimentado e desfeito sem nenhum problema. Para o corte J-L, por exemplo, basta pressionar a tecla Alt na interface e, mantendo pressionado o botão do mouse, arrastar a borda da trilha da imagem para trás enquanto a trilha sonora permanece inalterada. Em seguida, mova a faixa de áudio mais para a esquerda e as duas fotos se fundem para criar uma "edição dividida" finalizada.
Além de todas as funções de edição, o Movie Studio oferece funções especializadas essenciais, como boa estabilização de imagem que permite panorâmica sem tripé, movimentos de câmera virtual ou uma poderosa otimização de imagem.
Edição de filmes com o Movie Studio Platinum, o editor de vídeo para filmes absolutamente incríveis:
- Importe e exporte para todos os formatos relevantes
- Corte rápido e detalhado
- Assistentes de programa automáticos
- Até 900 efeitos e músicas
- Modelos intuitivos para introduções e outros, para legendas, transições, créditos de abertura, etc.
- Grave vídeos em DVD, AVCHD e Blu-ray (incluindo design de menu)
Programa para editar vídeos e filmes
Iniciar download
