"Filmen skapas först vid klippbordet." Du har säkert hört den här frasen från filmspråket förut. Vad som menas är att redigeringen är den avgörande processen med filmredigering som resulterar i slutprodukten. De videor du har filmat är bara det råmaterial som du klipper ihop till en film under redigeringen. Eller till och med till olika filmer.
Datorn fungerar nu som klippbord. Det är mycket effektivare och bekvämare att flytta virtuella videofilmer på skärmen med musen än att klippa sönder riktig celluloid med sax och limma ihop den.
Videoredigering är en konst som liksom all konst följer vissa regler. I det följande förklarar vi vilka dessa regler är och hur du kan tillämpa dem på din egen dator.
Klipp- och redigeringsteknik
Låt oss börja med några förklaringar av grundläggande filmredigeringstekniker: bildmaterial, inställning, tagning, klipp, scen ... Vad betyder egentligen detta? Hur hänger dessa termer ihop?
- Bildmaterial är namnet på de oredigerade videofilerna som du tar från minneskortet på din videokamera. Det är råmaterialet till din film.
- En Inställning är en oavbruten filmsekvens, det vill säga ett videoklipp som tagits från det ögonblick som kameran börjar rulla tills den stannar. När du spelar in en video är det bäst att föra en lista över de inställningar du har tagit. Detta ger dig en överblick över vilka inställningar som finns på minneskortet. Om du vill planera inställningarna i förväg, skapa ett schema i god tid.
- Tagningar är varianter av inställningar som till exempel visar samma motiv från olika perspektiv, eller bilder som skiljer sig från varandra i vissa detaljer (t.ex. när det gäller ljus och bakgrundselement). Tagningar erbjuder senare ett urval av flera alternativ under redigering. När du tittar på materialet på datorn, var noga med att inte blanda ihop ordningen på tagningar och inställningar. Det ska alltid vara tydligt vad som är en alternativ tagning och vad som är en ny inställning. Inom det professionella området används en klappa för detta, på vilka inställningen och numret på tagningen noteras.
- Klipp (engl. "Cut") hänvisar till den punkt i filmen som skiljer en inställning från nästa. Att göra ett klipp i materialet är extremt enkelt: I videoredigeringsprogrammet MAGIX Movie Studio ställer du bara in uppspelningsmarkören vid önskad klippunkt och tryck på "T"-tangenten. Sedan tar du bort den del du inte vill använda från spåret och skjuter ihop resten för att ta bort luckan. Den svårare uppgiften är att hitta rätt klippställe.
- En scen markerar ett avsnitt av betydelse i filmen. Den innehåller vanligtvis material som tillhör en enda plats och tidskontinuum, som inte behöver visas på ett obrutet sätt. En scen består vanligtvis av flera inställningar. Om du filmar dialog kommer de flesta bilderna att placeras efter varandra – de kan växla mellan att visa personen som talar, personen som lyssnar eller båda tillsammans, medan ljudspåret spelas vid sidan av, oklippt. Det hela resulterar sedan i en dialogscen. En scenväxling i en film markerar en ny passage. På motsvarande sätt är övergången från den sista bilden av den aktuella scenen till den första inställningen av nästa scen vanligtvis mer märkbar än övergången mellan inställningarna av samma scen.
Inställningar
Som redan nämnts avser en inställning en filmsekvens som spelades in utan avbrott med kameran igång kontinuerligt. Som en tumregel bör varje inställning vara minst 3 sekunder lång om det inte är en del av en sport- eller actionscen. Kortare inställningar skapar en atmosfär av energi och spänning, och du kan medvetet använda den här kameratekniken för att skapa verklig dynamik och spänning i din film. I allmänhet bör du bekanta dig med tresekundersregeln, eftersom detta är den genomsnittliga längden.
Du kan filma bilder med en mängd olika kamerainställningar. Motivet kan filmas från olika perspektiv, och dessa inställningar avgör hur motivet kommer att visas på skärmen. Storleken ger betraktaren en uppfattning om motivets avstånd från betraktaren. Betraktaren utgår från sina vardagliga upplevelser: en närbild av ett ansikte som fyller skärmen eller bildskärmen framstår som väldigt intimt och nära, medan människor som små figurer i ett landskap verkar långt borta.
Här är de grundläggande typerna av filmbilder.
Ultratotal bild
I den här inställningen spelar detaljerna ingen roll. Landskap, solnedgångar, skylines visas "långt ifrån". Den här inställningen används ofta i början eller slutet av en sekvens av relaterade scener, vilket ger en övergång till ett nytt avsnitt.
Total
"Total" ger tittaren en överblick över vad som händer och ger orientering. Vanligtvis introducerar det ett scenbyte. Om du till exempel först visar en total från utsidan av ett hus och sedan en interiör, är dessa två bilder sammanlänkade filmiskt. Betraktaren känner genom bildväxlingen i vilket hus inredningen är belägen.
Halvtotal
I den här inställningen är avståndet till motivet fortfarande ganska stort. Du ser hela människor från topp till tå och kan följa deras handlingar. Kroppsspråket syns väl, men ansiktsuttrycken förblir oprecisa.
Halvnära/amerikansk
I en halvnära inställning ser du en persons överkropp från ungefär midjan och uppåt. Man kan observera personernas förhållande till varandra lika väl som den kommunikativa situationen. "Amerikansk" visar lite mer av personerna, upp till knäna.
Halvnära
Den här inställningen motsvarar ungefär en bild från en persons bröstkorg. På tv är "halvnära" den storlek som nyhetsuppläsare och presentatörer har. Den väljs ofta för att uppmärksamma en persons ansiktsuttryck.
Ultranära/detalj
"Ultranära" visar huvudet på en person upp till halsen eller axelns bas: Betraktarens uppfattning är helt koncentrerad på ansiktsuttrycken. I inställningen "detalj" syns endast en liten del av en person eller ett föremål. Intrycket av intim närhet skapas. Med dessa inställningar befinner sig betraktaren i händelsens centrum.
Kamerarörelser
Eftersom filmer sällan består av statiska bilder behöver du en beskrivning av de rörelser som kameran har gjort eller ska göra utöver bilderna. Kameran kan flytta, panorera och zooma i en mängd olika hastigheter, vilket skapar lugn eller stress, avkoppling eller dramatik. Det är för övrigt inte längre så att kameran inte ska skaka och alltid måste vila på ett stativ. Användningen av en handhållen kamera har för länge sedan blivit en stilistisk anordning som skapar autenticitet, nervositet och dramatik.
Panorering
Panorering möjliggör en allroundvy och används för att visa landskap eller andra panoramabilder. En bra panorering börjar med cirka 2-4 sekunders stillhet på öppningsbilden och slutar igen med 2-4 sekunders stillhet på slutbilden. Kameran rör sig långsamt, mjukt och med konstant hastighet mellan start- och slutbilderna. Tumregel för rotation: Börja inte för tidigt, sluta inte för tidigt och stoppa inte panoreringen i mitten.
Du kan panorera både horisontellt och vertikalt, men inte diagonalt. Kombinerade panoreringar är också möjliga. Flytta bara kameran i en riktning – inte fram och tillbaka eller upp och ner. Använd ett stativ. I de flesta fall, innan panorering, bör du planera start- och slutpunkterna och överväga hur du ska flytta kameran från en punkt till en annan. Och prova sedan flera gånger i rad.
Ett högpresterande filmredigeringsprogram som Movie Studio låter dig skapa virtuella panoreringar för statiska inspelningar även efter att materialet har skapats. När du arbetar på din dator hemma kan du först bestämma vilken bildsektion som ska visas i början av panoreringen och sedan den sista bildrutan. Panoreringen mellan dessa två bilder skapas automatiskt av programmet. Startbilden visas i fullskärmsstorlek och "panorerar" långsamt genom videobilden till slutbilden. Dessutom bör källmaterialet vara i hög upplösning så att bilddetaljen som du zoomar in på inte verkar pixlad.
Zoom
Zoom är en specifik simulerad panorering som ökar eller minskar storleken på motivet. Detta skapar en illusion av att röra sig mot eller bort från motivet. Att använda zoomfunktionen kan också medföra vissa nackdelar. Varje svag kamerarörelse förvandlas till en uppenbar skakning, eftersom rörelsen förstärks när bilden zoomas in. Att använda ett stativ eller efterföljande bildstabilisering hjälper här.
Du kan också skapa digitala zoomrörelser senare i videoredigeringsprogrammet. Användning av den analoga zoomfunktionen på kameran rekommenderas, eftersom videoupplösningen inte påverkas av detta. Det bästa sättet att zooma är inte att stå på ett ställe när du använder kameran, utan att gå framåt med målmedvetenhet.
Ett alternativ till zoom är att justera fokus. Ett typiskt exempel är när en person står framför en skylt. Till en början ligger fokus på personen. Den talar till kameran. Den berättar något. När personen har pratat klart ändras kameran till att fokusera på skylten så att den inte längre är bakgrunden. Om du är skicklig med kameran behöver du inte ens ändra inställningen.
Kamerarörelse/kameraåkning
Du känner till rörliga inställningar från nästan varje film. För att lägga till rörelse till en statisk händelse flyttar du kameran under inspelning.
Kameran fångar alltid något nytt på sin resa. Exempel är att filma ut ett öppet bilfönster eller gå bredvid en person.
Ju mer stilla du håller kameran desto bättre. Inom yrkesområdet läggs också ofta skenor. Men du kan också använda en liten vagn för att din producera lugn kameraåkning även om den är rörlig. Ställ kameran på ett stativ, stativet på en vagn och dra långsamt vagnen runt ditt motiv.
Och om du bara märker under redigeringen på datorn att en inställning är för statisk och en rörlig kameraåkning skulle vara bättre här, kan du även skapa en virtuell kameraåkning efteråt med ett bra videoredigeringsprogram som Movie Studio. För att göra detta, precis som vid panorering, bestämmer du först ett bildsnitt, som sedan visas i helskärmsstorlek och flyttas genom bildmaterialet på fritt konfigurerbara sätt. Detta fungerar också bra med foton.
Scener
Med hjälp av klippning får bilderna sin slutgiltiga form och sätts ihop till scener. I en pågående scen bör åskådaren om möjligt inte märka att miljön byts ut. Vid ett scenbyte är det tvärtom: här är det meningen att du ska märka att miljön eller tiden har ändrats. Klippningen bör också vara lika slående.
Varje klipp innebär ett språng i tiden, ett byte av plats eller perspektiv – med andra ord ett klipp. Kontinuiteten i filmens handling är bruten. Men det finns tekniker som gör att detta klipp i stort sett inte märks av betraktaren. Denna princip kallas "osynligt klipp" (eller "continuity editing"). Det osynliga klippet är naturligtvis inte osynligt i bokstavlig bemärkelse, men det är inte avsett att medvetet uppfattas av betraktaren så att intrycket av en flytande händelse skapas.
Å ena sidan handlar det om att bestämma vilka delar av materialet som ska användas. Start- och slutpunkter måste bestämmas separat för varje inställning. Å andra sidan handlar det också om övergångarna mellan två inställningar: var slutar den första, var följer det andra?
Frågan om var ett klipp ska göras avser därför alltid även den följande inställningen. Frågan om hur lång en inställning ska vara kan bara besvaras om längden på föregående och efterföljande inställning är känd. Genom att matcha längderna till varandra skapar du en filmisk rytm som du kan använda för att dramatisera eller tona ner handlingen.
Det beror alltså alltid på sammanhanget. Men vi vill inte lämna dig åt ditt öde med ett så vagt svar. Det finns svar som har dykt upp under filmhistoriens gång. Det pågår en het debatt bland klippare om huruvida detta är allmänna regler eller bara rekommendationer eller till och med totalitära antaganden. Vi behöver inte bry oss om den här diskussionen mer. De "klassiska" redigeringsprinciperna är resultatet av många års arbete av professionella klipptekniker, och att känna till dem kan bara berika din egen teknik.
Klipptekniker
Vid vilka punkter ska en inställning klippas, hur ska inställningarna sättas ihop? Dessa frågor är viktigast för konkret videoredigering.
Vi kommer att begränsa oss till de viktigaste principerna:
Rörelseklipp
Den första principen är att klippa in i rörelsen i en scen. Så om du till exempel har filmat en närbild och en närbild av en person som för ett glas till munnen och dricker, klipper du bildväxlingen mitt i rörelsen när armen lyfts.
Syftet med denna princip är att hålla klippet så diskret som möjligt. Under rörelsen känner betraktaren redan igen rörelsens mål och förutser så att säga dess slut. Betraktaren är förberedd på den följande bilden; han anar redan att glaset kommer att nå hans mun. Han känner till handlingen. Om det sedan görs ett klipp under rörelsen är den följande bilden mindre iögonfallande än om rörelsen först utförs helt och hållet och en ny, okänd berättelsebåge börjar med klippet.
Inställningar inom en scen ska klippas innan skådespelarna har lämnat bildrutan och lämnar scenen tom. Om det inte finns någon speciell anledning. Tvärtom, vid övergångar mellan scener kan en tom scen vara lämplig för att få scenens spänningsbåge till ett slut. Men inom scenen bör tomma bildrutor undvikas.
Båda principerna är i huvudsak varianter av samma princip: Scener behandlas som enhetliga berättelsebågar, och en tom scen eller fullbordad rörelse indikerar ett slut på berättelsebågen.
Klipp/motklipp är den vanligaste, enklaste och samtidigt mest effektiva montageprincipen som finns överallt i film och tv. Tänk dig en person som står på gatan och vill gå in i ett hus. Han närmar sig ytterdörren och låser upp den. När han går in görs ett klipp; som motklipp visas en inomhusbild av samma man som stänger ytterdörren inifrån, tar av sig kappan och hänger den på klädhängaren.
När dessa två bilder monteras ihop blir resultatet en naturlig handling där ingen tvivlar på att hallen där mannen tar av sig kappan är samma hall som ligger bakom den ytterdörr som mannen låste upp tidigare i den yttre inställningen. I verkligheten är det faktiskt mycket mer troligt att en annan filmstudio används för interiören.
Eller tänk på en dialog i en film: man ser och hör en skådespelare tala i närbild, och medan han talar klipps plötsligt en lyssnares ansikte in. I själva verket ser man något helt annat, som inte alls motsvarar det man hör på ljudspåret, nämligen ett orörligt ansikte. Betraktarens uppmärksamhet vänder det nya, tysta ansiktet till talets lyssnare. Utan att använda denna filmiska teknik skulle lyssnarens bild bara vara av ett stumt ansikte. Genom att använda den omvända bilden i en dialog förvandlas den andra karaktären till en lyssnare. Kanske visar det egentligen uttryckslösa ansiktet till och med en viss reaktion i detta sammanhang: uppmärksamhet, skepticism, kanske avvisande ...
Förståelsen av hela filmens handling uppstår "klipp för klipp" från monteringen av sådana meningsskapande minisekvenser. De sammansatta scenerna sätts in i ett filmiskt sammanhang av tittaren. Förutom klipp/motklipp finns det många andra montagetekniker, av vilka vissa också kan förstås som varianter av klipp/motklipp-tekniker:
Här är de inställningar som är monterade på varandra kausalt beroende av varandra. Utan den första inställningen skulle den andra inte kunna förstås.
Exempel: Du ser två personer som bråkar högt och i nästa inställning försvinner en person genom en dörr och låter dörren slå igen. Eller så höjer någon en revolver och skjuter, och i nästa inställning faller någon annan död ner.
Två handlingar visas parallellt; det klipps fram och tillbaka mellan åtgärderna. Genom att gradvis förkorta inställningarna byggs spänningen upp till ett klimax.
Tänk dig till exempel två bilar som närmar sig en korsning från motsatta håll. Om du minskar tiden mellan parallell-klipp ökar du spänningen före krasch (om det finns någon).
Arrangemanget av scenerna kan utlösa en viss association hos tittaren. Det tillhörande uttalandet sägs eller visas inte direkt.
Exempel: En man spelar på lotteri och i nästa inställning presenteras dyra nya bilar för honom av en bilhandlare.
Händelser som inte kan eller bör representeras direkt ersätts med bildmässiga motsvarigheter.
Exempel: Ett barn föds, men istället för den smärtsamma förlossningen på sjukhuset visas en blomknopp som spricker. Eller ett förälskat par rullar över i sängen och fyrverkerier exploderar som ett ersättningsklipp.
Slående olika bilder klipps ihop med hjälp av ett kontrastklipp, till exempel för att uppmärksamma betraktaren på en motsägelse.
Exempel: En uttråkad turist sitter vid hotellbaren och nästa bild visar tiggare.
Kontrastklippet används också ofta efter en lång, tyst scen för att väcka invaggade tittare och visa att handlingen nu går vidare. Tänk på en skådespelare som länge stirrar eftertänksamt på ett fotografi, och i nästa bildruta dundrar plötsligt ett tåg högt in på en station.
Här redigeras bilder tillsammans eftersom de har en formell aspekt gemensamt, till exempel samma bildinnehåll, färger, former eller rörelser (röd tröja och röd bil, fotboll och jordglob, fallande fönster och fallande fjäder).
Det mest kända formsnittet är förmodligen öppningsscenen av Stanley Kubricks "2001: A Space Odyssey", där en apa kastar ett ben i luften och i nästa klipp fortsätter en satellit i omloppsbana samma rörelse, fyra miljoner år har förflutit.
De två monterade inställningarna har till en början bara rörelsen gemensamt. Montaget sätter betraktaren på ett sökande efter kontextuella sammanhang, vilket till exempel leder till tanken att inkarnationen började med benkastning och fortsätter in i satellitåldern.
Du känner säkert till det här: Det finns en person som sitter vid bordet och läser lugnt en bok på kvällen, och plötsligt hörs hektiska röster och ringande telefoner. Och precis innan du frågar dig vad detta betyder i denna lugna situation, sker ett klipp och du ser en helt annan scen, till exempel på polishuset, där ljudspåret fortsätter.
Denna montageteknik kallas "split edits". Ljud- och bildspåren klipps på ett förskjutet sätt. Denna teknik kallas också för J-L-cut eftersom bild och ljud i videoredigeringsprogrammets arrangör med lite fantasi ser ut som ett "L" respektive ett "J" när ljudspåret börjar tidigt utan den medföljande bilden.
Slutligen vill jag nämna en klippteknik som syftar till att på ett slående sätt avbryta kontinuiteten i filmhandlingen inom en scen. Hoppklipp är avsett att skapa irritation; det drar till sig tittarens uppmärksamhet genom att avbryta filmen vid till synes olämpliga punkter men återuppta den omedelbart efteråt. Detta skapar en känsla av att en del av inspelningen saknas.
Det kan ske på olika sätt, men säkerställer alltid att klippet uppfattas som ett hopp. Hoppklipp anses vara moderna och används numera överallt, till exempel i porträtt av människor när en intervju styckas upp genom hoppande bildväxlingar.
Handlingsaxel eller 180 graders-regeln
När det kommer till videoredigering finns det en viktig regel som påverkar kompositionen av bilder. Om du ser en person i filmen röra sig från vänster till höger genom ramen och sedan, efter klippet, plötsligt från höger till vänster i nästa tagning, har du blivit offer för ett axelhopp. Det är irriterade och du vet inte vart personen egentligen vill ta vägen.
Den axel som inte bör hoppas över kallas "handlingsaxeln". Det är en tänkt riktlinje som är baserad på handlingen och skär utrymmet som visas i två halvor. På kamerasidan finns en halvcirkel, som definieras å ena sidan av kameran och å andra sidan av vad som händer i filmen. På grund av 180-gradersvinkeln för denna halvcirkel kallas denna regel även "180-gradersregeln". Den 180 graders halvcirkeln – som synfältet eller en teaterscen – ger åskådarnas rumsliga orientering. 180-gradersregeln säger nu att endast inställningar som gjordes inom denna halvcirkel får redigeras efter varandra.
Ett exempel: Två skådespelare för en dialog och ser varandra direkt i ögonen. I det här fallet är handlingsaxeln siktlinjen. Kameran kan nu visa de två skådespelarna framifrån i profil, från diagonalt fram eller, i extrema fall, flytta upp till handlingens axel så att den tittar över axeln på en skådespelare och visar den andra framifrån. (Förresten, den här bilden kallas en "över-axel-bild" och är väldigt populär eftersom den kombinerar skådespelarens perspektiv med det yttre perspektivet.)
Alla dessa bilder kan redigeras bakom varandra utan problem. Men i samma ögonblick som kameran korsar handlingsaxeln, byts dialogpartnerna ut i bilden. Skådespelaren som tidigare var till vänster dyker nu upp till höger. Det blir ett axelhopp.
Axelhopp är problem som bara uppstår under klippning. Om handlingsaxeln korsas i en oklippt inställning sker inget hopp i axeln, utan en oproblematisk axelväxling, där betraktaren kan orientera sig med hjälp av bildkontinuumet.
Handlingsaxlar uppstår i synnerhet från skådespelarnas gång- och blickriktningar. Nya handlingsaxlar kan etableras när skådespelare plötsligt tittar någon annanstans, vänder sig om, närmar sig något nytt eller när något nytt kommer in i bilden utifrån. Sedan kan du också klippa utanför det ursprungliga 180-gradersområdet, eftersom betraktarens orientering och därmed handlingsaxeln har ändrats.
Toningar och övergångar
Det är inte bara klippställen som räknas, utan även övergångarna Övergångar indikerar hur två inställningar är sammanfogade. Det "raka klippet" är normen inom film; det är faktiskt frånvaron av en övergång och förbinder två bilder utan krusiduller, utan någon effekt, kort och smärtfritt.
Dessutom kan du också se övergångar (crossfades) och in- och uttoningar. I en övertoning smälter bilden av den föregående scenen gradvis in i bilden av den följande scenen. I bildspel är övertoningar regel eftersom det är stillbilder som visas där. Övertoningen här tjänar till att meddela och mjuka upp det kommande bildhoppet.
Film handlar vanligtvis om att skapa en kontinuitet och därför är bildövergångarna inom en scen så diskreta som möjligt. Övertoningar i filmen förbereder åskådaren på att ett scenbyte kommer att äga rum. De drar uppmärksamheten från kontinuitet till förändring.
Ett ännu starkare inklipp producerar intoningen. Detta skapar en illusion av att röra sig mot eller bort från motivet. Först därefter börjar nästa scen – vanligtvis med en uttoning. Uttoningen ser till att tittaren kan ta ett andetag och börja om. Det kan jämföras med att blunda länge, byta kapitel i en bok eller en fallande ridå på teatern. Därför markerar uttoningen vanligtvis slutet på en hel kedja av relaterade scener: en sekvens.
Naturligtvis finns det även andra övergångar, varav några är väldigt effektiva, som man ibland ser i filmer. Ibland flyger bilden av den sista scenen vilt snurrande bort eller transporteras långsamt bort från betraktaren som genom en tunnel.
Var sparsam med sådana övertoningseffekter – de distraherar tittaren från vad som händer i filmen.
Rätt klipprogramvara
För att producera en bra videofilm med hjälp av de beskrivna klippteknikerna behöver du förutom videomaterialet från kameran även en kraftfull redigeringsprogramvara. Det är viktigt att kunna prova och ångra flera klipp. Videoredigeringsprogrammet bör därför inbjuda till klippexperiment och vara så intuitivt att det går att använda det så att du kan gå igenom många klippmöjligheter med några få musklick.
Vi rekommenderar här MAGIX Movie Studio Platinum. Det här sofistikerade videoredigeringsprogrammet erbjuder allt du behöver för att genomföra alla beskrivna redigeringstekniker utan en lång utbildningsperiod. Bild- och ljudspåren är överskådligt ordnade i Arranger och kan klippas, förkortas och förlängas igen när som helst utan att vidröra de värdefulla filmerna på hårddisken – eftersom programmet fungerar helt virtuellt.
Varje steg kan därför testas och ångras utan problem. Till exempel, för att göra ett J-L-klipp vid en redigering, helt enkelt Alt-klicka och dra tillbaka gränsen för videospåret samtidigt som ljudspåret lämnas orört. Skjut sedan det främre ljudspåret till vänster och båda inställningarna i varandra – det "akustiska klippet" är klart.
Utöver alla redigeringsfunktioner erbjuder Movie Studio viktiga specialfunktioner som bra bildstabilisering, till exempel för panorering utan stativ, virtuella spårningsbilder eller stark bildoptimering.
Videoredigering med MAGIX Movie Studio Platinum, programvaran för helt enkelt bra filmer:
- Import och export av alla relevanta format
- Snabb- och detaljklippning
- Automatiska guider
- Upp till 900 effekter och musik
- Intuitiva mallar för intro, outro, undertexter, övergångar, inledningstexter och mycket mer.
- Dina filmer på DVD och Blu-ray (inkl. menydesign)
Programvara för filmredigering
Starta nedladdning
